У французской афиши: поэзия и реализм

Ведущим стилем французского кино стал поэтический реализм. Мастера поэтического реализма стремились давать объективно достоверные картины повседневной жизни, поэтически преображенные с помощью средств образной трансформации (игра актеров, литературные диалоги, композиция кадра, музыкальное сопровождение, световоздушная и звуковая атмосфера). Режиссеры стремились показать, что в повседневной жизни простых людей поэзии и драматизма ничуть не меньше, чем в ослепительных голливудских сказках.

ü Режиссеры:

– Ренуар (Renoir) Жан (1894–1879), французский режиссер. Второй сын художника-импрессиониста Огюста Ренуара. Участник Первой мировой войны (пехота, авиация). Занимался керамикой, но интерес к кино и желание видеть на экране свою жену (бывшую натурщицу Огюста Ренуара) привели к созданию (на деньги отца) собственной кинокомпании. В 30-е гг. новый этап в творчестве Ж. Ренуара открывается фильмом «Сука» (1931), драмой из жизни обитателей Монмартра и людей «дна», где жизненная достоверность не мешает почувствовать аллегоричность сюжета и воздействие «руки судьбы», неумолимо управляющей героями.

Картины 1931–1935 гг., такие как «Будю, спасенный из воды» (1932); «Мадам Бовари» и «Тони» (1934), при всем жанровом разнообразии, объединяются непривычным соединением поэтичности видения и конкретности в изображении вещественного мира, любви к бытовым деталям, свободной и естественной игрой актеров, а также использованием оптики, позволяющей исполнителям передвигаться в кадре без изменения точки съемки (что создавало эффект «репортажности»).

Сближение с движением Народного фронта, предопределенное симпатией Ренуара к обыкновенным людям (которая заявила о себе еще в фильме об итальянцах-эмигрантах «Тони», а также в фильме «Преступление г-на Ланжа» (1935) о противостоянии рабочих и хозяина), вылилось в работу над агитационным киноплакатом «Жизнь принадлежит нам» (1936) и сильно переработанной версией пьесы М. Горького «На дне» (1936). Левые идеи и вера в силу простых людей, которые берут судьбы народов в свои руки, выражены и в лучшей работе режиссера – философской драме «Великая иллюзия»(1937). Именно здесь достигает апогея искусство Ренуара – психолога и реалиста, добивающегося непривычной полноты и глубины актерского исполнения, а также ощущения неразрывной связи отдельных человеческих судеб и исторического процесса.

Пафос народного единства и победы над враждебными массам верхами характерен и для исторической драмы «Марсельеза» (1938), реконструирующей события французской революции. Приближение войны и поражение Народного фронта откликаются в творчестве Ренуара пессимизмом «Человека-зверя» (1938, по Э. Золя) и «Правил игры» (1939) – психологической драмы с элементами гротеска и фарса, раскрывающей моральное растление и пустоту аристократических кругов.

В годы войны Ренуар снимает в США. Его картины 50-х гг. словно развивают мотив незаконченной ленты «Загородная прогулка» (снималась в 1936 г., показана в 1946). «Река» (1951), «Золотая карета»(1953, в главной роли итальянская актриса Анна Маньяни), «Французский канкан» (1954), «Завтрак на траве» (1959) исполнены пластического изящества, упоения красотой природы и бытия, ностальгическим возвращением к «прекрасной эпохе» конца XIX – начала XX века.

С 1960 г. Ж. Ренуар преподавал режиссуру в университете в Беркли (США). На оскаровской церемонии в 1975 г. награжден почетной премией за совокупное творчество.

– Клер (Clair) Рене (1898–1981), французский режиссер. Наст. фамилия Шомет. Сын торговца мылом, с раннего детства увлекался театром, писал стихи. После войны выступал с критическими статьями, снимался в фильмах Л. Фейада и Я. Протазанова. В 1923 г. создал по собственному сценарию фантастическую комедию «Париж уснул». Оригинальный замысел позволил сочетать сатиру на нравы и мораль обывателя с интересными экспериментами (движение, монтаж, ритм).

Успех экранизации водевиля «Соломенная шляпка» (1927) открывает самый счастливый для Клера период творчества, когда он становится ведущим режиссером французского кино. Его водевили («Двое робких» (1928), «Миллион» (1931); лирические – «Под крышами Парижа» (1930); «14 июля» (1933); сатирические – «Свободу нам!» (1932); «Последний миллиардер» (1934), приз на МКФ в Москве в 1935) и комедии по-прежнему отличаются оригинальными экспериментами со звуком, музыкой и изображением. Постепенно складывается своеобразный мир клеровских персонажей, в котором представлены наиболее характерные типы межвоенной эпохи. В это же время определяется и специфический взгляд режиссера на мир, заявляющий о себе то лирическим изображением жизни обитателей окраин Парижа, то жесткой сатирой на абсурдность и античеловечность индустриализованного общества, подготовившего почву для кризисов и диктатуры.

После попытки фашистского путча в 1934 г. Клер переезжает в Англию, а после начала Второй мировой войны – в США. Его картины 1936–1945 гг., например: «Призрак едет на Запад» (1935); «Красотка Нового Орлеана» (1941); «Я женился на ведьме» (1942), по-прежнему остроумны и профессиональны, но утрачивают прежние оригинальность и обаяние. После войны Клер снимает во Франции («Молчание – золото» (1947); «Красота дьявола» (1950); «Ночные красавицы» (1952)), однако его забавные и еще более печальные размышления об абсурдности мира, о слепоте и эгоизме человека, теряющего из-за иллюзий радость сегодняшнего бытия, не встречают адекватной реакции зрителей и критики, несмотря на высочайшее мастерство и оригинальные находки.

Картины позднего Клера («Большие маневры» (1955); «Порт де Лила»/«На окраине Парижа» (1957); «Все золото мира» (1960) проникнуты лирической нежностью, поэтизируют жизнь парижских окраин и аутсайдеров, не находящих себе места в безумном мире потребления. Последняя лента «Праздники любви» поставлена в 1965 г. Автор смешных и условных по манере фильмов, которые снимались в стилизованных декорациях, Клер остается символом самого счастливого периода для кино Франции, когда оно отстояло свою независимость и оригинальность.Первым из деятелей кино был в 1960 г. избран членом Французской Академии.

– Виго (Vigo) Жан (1905–1934), французский кинорежиссер, классик мирового кино.

Родился в семье редактора Мигеля Альмерейды, человека экстремистских анархических убеждений, часто подвергавшегося тюремным заключениям. Учился в закрытом лицее для мальчиков, затем изучал литературу в Сорбонне.

Деятельность отца и проблемы многодетной семьи, в которой вырос Виго, оказали большое влияние на формирование его творческих интересов. В фильмах ясно прослеживается внимание к социальным контрастам общества. Мечтая снимать кино, Виго создал свою первую работу «По поводу Ниццы» (1929) любительским способом в сотрудничестве с другом, оператором Борисом Кауфманом. Частный просмотр вызвал интерес критиков и прокатчиков, которые показывали фильм в течение двух месяцев, но затем картина стала принадлежностью киноклубов. Следующая, тоже документальная лента «Жан Тарис, чемпион по плаванию» (1931) была снята в бассейне Автомобильного клуба.

Лицейские впечатления легли в основу новаторского по форме и содержанию фильма «Ноль за поведение» (1933), нелицеприятно изображающего порядки французских учебных заведений и отмеченного поэтическим и насмешливым восприятием действительности. Картина была запрещена после протестов «отцов благополучных семейств». Виго показывал ее с успехом в Бельгии, но во Франции цензурные запреты были сняты только в 1945 г.

Виго, полный творческих планов, снимает в 1934 г. лиричнейшую ленту «Аталанта», рассказывая языком поэтического кино тривиальную любовную историю. Непритязательная житейская история женитьбы капитана баржи «Аталанта» Жана на деревенской девушке Жюльетте, их свадебного путешествия по каналам Франции к Парижу в сопровождении юнги-несмышленыша и несуразного «морского волка» папаши Жюля, а также ссора молодых, разлука и счастливое воссоединение в финале, – эта совсем не претендовавшая на шедевр история стала лебединой песней ее создателя, режиссера Жана Виго, ввела его в ранг поистине, а не номинально, бессмертных.

Полуторачасовой фильм оказался не только подлинным шедевром, но и фильмом-мифом в искусстве ХХ века. Претворить повседневную действительность французской провинции в сказочную феерию, а веселый Париж представить столь непарадно, во всей его ненавязчивой тусклости, мог лишь гениальный режиссер. Для того чтобы снять повседневность как сказку, он сумел выбрать блистательного оператора – Бориса Кауфмана, брата Дзиги Вертова. В блистательную режиссуру фильма, в ее высокий пластико-музыкальный ряд органично вписывается слаженный актерский ансамбль (в главной роли –Мишель Симон). Художественная же сторона ленты в целом воссоздана была авторами в «Аталанте» не сама по себе, отнюдь не самоигрально, но вполне осознанно, а именно, чтобы ощутимо прозвучал с экрана гимн человеческой нежности и – одновременно – людской солидарности.

Прокатчики, посмотревшие фильм, нашли его коммерчески неперспективным, он был изуродован при перемонтаже и вышел в прокат на две недели под названием «Плывет шаланда». Еще во время съемок здоровье Виго резко ухудшилось. Окончательный вариант «Аталанты», смонтированный им самим, режиссер смотрел уже смертельно больным. Фильм был восстановлен и показан в авторской версии в 1940 г.

Виго остался крупнейшим мастером мирового кино, который оказал своими небольшими и скромными лентами грандиозное влияние на весь последующий кинопроцесс в мире. Во Франции существует престижная кинематографическая премия имени Жана Виго.

– Карне (Carné) Марсель (1909–1996), французский режиссер.

Родился в семье краснодеревщика, работал страховым агентом. В 1928 г. – ассистент оператора Ж. Периналя на съемках фильма «Новые господа» Ж. Фейдера. Через год – ассистент режиссера Р. Клера в фильме «Под крышами Парижа». В 1929 г. вместе с М. Санвуазеном создал любительский документальный фильм «Ножан – воскресное Эльдорадо».

Лучшие работы Карне появляются в конце 30-х – начале 40-х гг., в период его сотрудничества с поэтом-сюрреалистом и кинодраматургом Жаком Превером. Начиная с 1938 г., направление, представленное фильмами Карне – Превера и названное последним «поэтическим реализмом», доминирует в кино Франции.

Поэтический реализм выражает характерное для предвоенных лет ощущение конца эпохи, разочарование в обществе и бессилие личности перед лицом грядущих катаклизмов. Лишь бескорыстная любовь мужчины и женщины, соединенных на короткий миг случаем и тут же разделенных роком, пытается противостоять всеобщему падению и деградации, которую олицетворяют демонические персонажи. Нежность, психологизм, образность, с какими показывается эта любовь, сообщают удивительную достоверность условным сюжетам и персонажам лент «Набережная туманов» (1938), «Северный отель» (1938) и «День начинается» (1939).

Символом пробуждения человеческого духа, метафорическим вызовом злу становится поставленный в годы оккупации фильм-легенда «Вечерние посетители» (1942). А законченная накануне освобождения картина «Дети райка» (1944), при всей философской глубине и горечи размышлений о судьбе художника, чьи великие победы в искусстве оплачены трагедиями в его реальной жизни, звучит апофеозом человеческому таланту и красоте души. В главных ролях: Л. Барро, М. Казарес, Орлетти.

Габен (Gabin) Жан (1904–1976), французский актер.

Оливье (Olivier) Лоренс (1907–1989), английский актер театра, кино и ТВ.

Родился в Доркинге (Англия). Сын сельского священника, он в 17 лет бросает занятия в Оксфорде и поступает в Школу дикции и драмы Элси Фогерти. Ко времени дебюта в фильме «Слишком много мошенников» (1930) успел сыграть множество ролей в различных театрах. В 1930-е гг. становится одним из наиболее известных «молодых любовников» своего времени. Сыграв в кино по обе стороны Атлантики более десятка ролей, добился крупного успеха в фильме «Грозовой перевал» (1939) У. Уайлера. В этой роли ему удалось передать контрастное соединение жесткости, порывистости, резкости, желания повелевать с чрезвычайной внутренней ранимостью и определенной тонкостью. Обыгрывание этого контраста, в большой мере присущего английскому национальному характеру, стало в дальнейшем одной из главных актерских красок Оливье.

В 40-е гг. актерским и режиссерским триумфом Оливье стала экранизация шекспировского «Генриха V» (1944), органично сочетающая театральные и кинематографические приемы. В дальнейшем он неоднократно обращался к киноверсиям Шекспира, таким как «Гамлет» (1948); «Ричард III» (1956); «Отелло» (1966), и каждый раз это было событием. Ключевым в современном репертуаре стало для него исполнение роли конферансье из мюзик-холла в фильме по пьесе Д. Осброна «Комедиант» (1959). Крах человека, неспособного на личностное «самостоянье», стал в исполнении Оливье метафорой социального краха целого поколения «промотавшихся отцов».

Один из наиболее признанных английских актеров, первый руководитель основанного в 1963 г. Национального театра, Оливье в 1947 г. был возведен в рыцарское достоинство, а в 1970 г. получил пожизненное пэрство.

Литература

1. Безелянский, Ю. Леденящие ужасы Альфреда Хичкока // Прекрасные безумцы : литературные портреты / Юрий Безелянский. – М. : Радуга, 2005. – С. 217–237.

2. Жежеленко, М. Мир Альфреда Хичкока / Марина Жежеленко, Борис Рогинский. – М. : Новое лит. обозрение, 2006.– 288 с. : ил. – (Кинотексты).

3. Корда, Майкл. Ослепительная жизнь [Электронный ресурс] / пер. с англ. М. Теракопян. – Режим доступа: http://old.kinoart.ru/1998/3/28.html.

4. Трюффо, Ф. Хичкок / Трюффо / Франсуа Трюффо ; пер. с фр. – М. : Эйзенштейн-центр, 1996. – 224 с. – (Б-ка Киноведческих записок). В Интернете: http //kinomag.ru/author_auz348.html/

5. Хаакман, А. С Хичкоком над пропастью // По ту сторону зеркала: кино и вымысел / Антон Хаакман ; пер. с нидерл. И. Лесковой ; под ред. Б. Филановского.– СПб. : Изд-во Ивана Лимбаха, 2006. – С. 191–226.

Видеопрактика

1. Фрагменты из передачи цикла «Легенды мирового кино» (Телеканал «Культура»): Альфред Хичкок; Лоренс Оливье.

2. Фрагменты из х/ф: А. Хичкока «Головокружение» (1958); «Психоз» (1960); «Птицы» (1963).

3. Фрагмент из х/ф «Леди Гамильтон» (1941) / А. Корда.

4. Фрагменты из д/ф «История английского кино от Стивена Фрирза» (1995) / Майк Дибб, Стивен Фрирз.

Сказки и утопии немецкого кино

ü Режиссеры:

– Ланг (Lang) Фриц (1890–1976), немецкий и американский режиссер, сценарист и продюсер.

Родился в Вене в семье архитектора. По желанию отца изучал архитектуру, но вскоре уехал в Мюнхен, а затем в Париж, где предпочел посвятить себя живописи. Путешествовал по Малой Азии, Северной Африке, России, Китаю, Японии и Индонезии, зарабатывая рисованием и продажей открыток. Вернувшись в Париж в 1913 г., работал художником, дизайнером одежды и карикатуристом. С началом войны уехал последним поездом в Вену, ускользнув от французской полиции, и был призван в армию рядовым. Получив четыре ранения и ослепнув на правый глаз, он был демобилизован в 1916 г. в звании лейтенанта и, долго оправляясь от ранений в госпитале, начал писать рассказы и киносценарии. Несколько его сценариев были куплены немецкими студиями, и он вскоре уехал в Берлин, где перепробовал ряд киноспециальностей: сценариста, актера, режиссера.

Уже третья режиссерская лента Ланга – «Пауки» (первая часть – 1919, вторая – 1920), приключенческий триллер о преступной организации, стремящейся к мировому господству, – принесла режиссеру шумный коммерческий успех. Продюсеры потребовали от него немедленно приступить к съемкам второй части, из-за чего ему пришлось отказаться от другого задуманного проекта, фильма «Кабинет доктора Калигари», снятого в итоге Робертом Вине. Ланг внес некоторый вклад в разработку сценария, в частности, придумав обрамляющие эпизоды, превращающие основную, экспрессионистскую часть фильма в историю, рассказанную сумасшедшим.

Картина «Усталая смерть» (1921), одна из лучших ранних работ Ланга, получила высокую оценку критиков и окончательно выдвинула его в число ведущих немецких режиссеров. Темой ленты была неумолимость рока и обреченность всех человеческих усилий. Позднее Ланг сказал, что все его фильмы были посвящены борьбе человека с судьбой. Следующий фильм – «Доктор Мабузе, игрок» (две части, 1922) – вновь рассказывал о преступлениях маньяка, стремящегося к власти над миром. Эта тема была популярна в немецком кино того времени, но никто не решал ее в таких ярких образах, как Ланг, с такой визуальной и стилистической свободой, динамизмом и юмором. Кроме того, его завораживала криминальная и патологическая психология, и он продолжал развивать эту тему на протяжении всей жизни, снова и снова обращаясь к жанрутриллераи раздвигая его рамки в соответствии со своим пессимистическим и фаталистским мировоззрением.

Эпический фильм «Нибелунги» (1924) вновь состоял из двух частей – «Зигфрид» и «Месть Кримгильды» – и был основан на средневековой легенде, ставшей частью официальной арийской мифологии нацизма. Чуждый арийской идее, Ланг вновь развивал здесь тему неотвратимой судьбы, препятствующей человеческим начинаниям. В тот же год во время поездки в Америку, под впечатлением нью-йоркских небоскребов, он задумал свою следующую ленту,«Метрополис» (1926). Ее постановка чуть не разорила студию «УФА»; это был на тот момент самый дорогой фильм в истории немецкого кино. Колоссального размаха антиутопия о строго регламентированной жизни в индустриальном обществе будущего, управляемом роботами, не стала лучшей картиной Ланга. Фильм часто увязает в абсурде и претенциозности, однако мастерство его художественного дизайна и стиля остается бесспорным.

Для постановки триллера «Шпионы» (1928) Ланг создал собственную компанию, и вновь добился успеха в своем излюбленном жанре. Первый звуковой фильм режиссера – «М» (1931) – затронул новую для кино тему. Это был психологический триллер о маньяке, убивающем детей. Преступный мир объединяется для его поимки и устраивает над ним импровизированный суд, сцена которого превращается одновременно в ошеломляющей глубины анализ патологической психики и в тревожную аллегорию общества, стоящего на грани массового психоза – фашизма. В фильме «Завещание доктора Мабузе» (1933) Ланг вложил фашистские лозунги в уста негодяев. Картина была запрещена Геббельсом; вызвав режиссера к себе, чтобы сообщить ему о запрете, рейхсминистр пропаганды одновременно предложил ему от имени самого фюрера руководство немецкой киноиндустрией. В тот же вечер Ланг, мать которого была еврейкой, уехал во Францию, оставив позади все свое имущество, сбережения и жену, сценаристку Теа фон Харбу, вступившую вскоре в нацистскую партию.

Сняв один фильм во Франции, Ланг переехал в США. Лишь в 1936 г. ему удалось снять первый американский фильм, «Ярость», драму о психологии толпы и о том, как насилие неизбежно порождает новое насилие. Критики моментально признали фильм шедевром, но это не облегчило положение Ланга в Голливуде. Он постепенно перешел на коммерческие проекты, но и в них по-прежнему обращался к своим традиционным темам. Он доказал свою режиссерскую разносторонность несколькими блестящими вестернами («Возвращение Фрэнка Джеймса», 1940; «Ранчо ''Дурная слава''», 1952 и др.), но предпочитал жанр триллера: «Охота на человека» (1941), «Ведомство страха» (1944, по Грэму Грину) и др. Одной из его лучших картин стал ироничный триллер «Женщина в окне» (1944). Картина «Большая жара» (1953) была этапной в переходе кино к более реалистичному изображению насилия на экране.

Однако с течением времени Лангу становилось все труднее бороться с произволом продюсеров, и в 1956 г. он решил не работать больше в Голливуде. Поездка в Индию, где он намеревался снять романтический костюмный фильм, оказалась неудачной. Он сделал в Германии две приключенческие ленты по сценариям, написанным еще в 1921 г., и в 1960 г. поставил свою последнюю картину «Тысяча глаз доктора Мабузе», еще раз вернувшись к своему самому знаменитому персонажу. В 1963 г. он сыграл самого себя в фильме Жан-Люка Годара «Презрение».

– Рифеншталь (Riefenstahl) Лени (полн. имя Хелена Берта Амалия Рифеншталь) (1902–2003), немецкая актриса, кинорежиссер и фотограф.

Дочь состоятельного коммерсанта, Лени с детства отличалась волей, честолюбием, проявляла интерес к театру и танцам. В молодости она была очень красива: безупречный овал лица, большие выразительные глаза и пышные рыжевато-каштановые волосы. Лени училась в Берлинской школе искусств и, решив стать танцовщицей, принимала участие в балетных спектаклях Марии Вигман. В 1923 г. она начала выступать с сольной программой. Театральный режиссер Макс Рейнхардт предложил ей ангажемент в своем Немецком театре, на сцене которого она играла в сезонах 1923–1926 гг. Ее номера пользовались успехом, она танцевала в Берлине, Мюнхене, Праге, Цюрихе.

В 1925 г. Лени получила травму колена, и после операции вынуждена была покинуть балет. Но в том же году она дебютировала как актриса в фильме «Священная гора» (1925, в советском прокате – «Горная баллада»), после которого стала ведущей актрисой в специфическом жанре немецкого «горного кино». Первооткрывателем жанра в начале 1920-х гг. стал бывший геолог Арнольд Фанк. Он обучил скалолазанию съемочную группу и ежегодно выпускал по фильму о неприступных вершинах и их бесстрашных покорителях. В то время фильмы снимались преимущественно в студиях. Фанк же впервые использовал сложные натурные съемки. Работа у режиссера «горного кино» требовала незаурядной спортивной подготовки и немалого мужества. Героинями Рифеншталь были романтические, наивные, но очень смелые девушки.

Но со временем Рифеншталь стало тесно в рамках актерской профессии. В 1931 г. она основала собственную киностудию и в 1932 г. вместе с Б. Балажем сняла «горный» фильм «Голубой свет». Его действие происходит в итальянской деревне в Доломитовых Альпах. В полнолуние на вершине горы сверкает голубой свет, играющий роковую роль в судьбе деревенских юношей. Словно зачарованные, они стремятся через горные кручи к чудесному сиянию, но гибнут, так и не достигнув вершины. Рядом с деревней живет девушка Юнта (Рифеншталь) – толи к