Арт-менеджмэнт у сферы аматарская музычная творчасць

Аматарская музычная творчасць, з’ява беларускай музычнай культуры, пласт народнай творчасці, форма праяўлення сацыяльна-культурнай актыўнасці насельніцтва ў сферы мастацтва. Музычная калектыўная творчая дзейнасць народа, якая уключае ў сябе розныя віды і жанры аматарскай музычнай дзейнасці, дзіцячую і сямейную мастацкую творчасць, студэнцкую самадзейнасць, мастацкую творчасць аматарскіх калектываў і асобных выканаўцаў, практыку функцыянавання аматарскіх мастацкіх аб’яднанняў і гуркоў па захапленнях, сацыяльна-культурныя ініцыятывы ў галіне музычнай культуры і інш. З’яўляецца састаўной часткай духоўнай культуры грамадства, якая спрыяе яе ўзбагачэнню і дэмакратызацыі, фарміраванню сістэмы вытворчасці і распаўсюджванню мастацка-эстэтычных каштоўнасцей.

Аматарская музычная творчасць як спецыяльна арганізаваная дзейнасць па засваенні, стварэнні і распаўсюджванні мастацка-эстэтычных каштоўнасцей ва ўмовах вольнага часу развіваецца ў межах традыцый музычнай культуры і адпаведна эстэтычным патрэбнасцям розных катэгорый грамадзян, з'яўляецца натуральным спосабам фарміравання нацыянальнай культуры праз прапаганду гэтых каштоўнасцей даступнымі ёй формамі аматарскай дзейнасці.

Адна з найбольш актыўных формаў мастацкага асэнсавання рэчаіснасці, якую вызначае массавы характар і высокая ступень сацыяльнай актыўнасці грамадзян, што дазваляе аматарскай творчасці быць устойлівай асновай мастацкага жыцця беларускага грамадства, носьбітам і паказчыкам яго патэнцыяльных магчымасцей у культурастваральнай дзейнасці. Актыўна спрыяе развіццю мастацка-эстэтычнай дзейнасці насельніцтва, росту культурнага набытку нацыі, забяспечвае захаванне культурнай спадчыны народа, садзейнічае рэгуляцыі сацыяльна-культурных працэсаў у рэгіёнах Беларусі.

Аматарская музычная творчасць – найважнейшы пласт нацыянальнай культуры, без якога немагчыма засваенне народных культурных традыцый і развіццё прафесійнага мастацтва.

Па сутнасці, з’яўляючыся працягам масавай музычнай самадзейнасці савецкага часу, сучасная аматарская творчасць увабрала ў сябе ўнікальную беларускую ментальнасць і працягвае дэманстраваць уласцівую беларускаму народу таленавітасць, творчую актыўнасць і жыццялюбства. Як з’ява беларускай нацыянальнай культуры, сучасная аматарская музычная творчасць праз зварот да этнарэгіянальных традыцый і звычаяў беларускага і іншых народаў Беларусі набывае новы якасны ўзровень і эстэтычную значнасць. У працэсе свайго развіцця аматарская музычная творчасць садзейнічае перадачы з пакалення ў пакаленне такіх адносна ўстойлівых формаў нацыянальнай культуры як мова, традыцыі, абрады, звычаі, этнічная самасвядомасць, тапаніміка, лад паўсядзённага жыцця і інш.

Разам з тым, у сваім развіцці аматарская музычная творчасць пастаянна абапіраецца на здабыткі акадэмічных відаў і жанраў мастацтва; самыя разнастайныя мастацкія стылі і гістарычныя эпохі знаходзяць сваё увасабленне ў практыцы функцыянавання аматарскіх калектываў. Пад уздзеяннем сродкаў масавай інфармацыі, у першую чаргу, – тэлебачання, усё большае развіццё атрымоўваюць віды аматарскай дзейнасці, звязаныя з сучаснай тэхнікай, камп’ютэрам (рок-музыка, дыскаклубы, камп’ютэрная графіка); адчуваецца значны ўплыў на аматарскую творчасць з боку сучаснага шоу-бізнесу і індустрыі музычнага забаўляння.

Рух аматарскай творчасці ў Беларусі – мнагамерны, шматузроўневы, дынамічны сацыяльны арганізм, на яго развіццё аказвае ўплыў сінтэтычны сплаў гістарычных, этнарэгіянальных, эстэтычных, сацыяльна-псіхалагічных, эканамічных і іншых фактараў. Ён мае даволі складаную дынаміку развіцця, пры наяўнасці агульных тэндэнцый развіццё розных відаў і жанраў аматарскай музычнай творчасці ў рэгіянальным плане (гарадская і вясковая культура) адбываецца неаднолькава.

Па асноўных жанравых напрамках вызначаюцца: тэатральны (драматычны, музычны, лялечны тэатра, тэатр паэзіі, пантамімы, мініацюр і інш.); вакальна-харавы (хор, ансамбль з акадэмічнай, народнай і эстраднай манерай выканання і інш.); харэаграфічны (народны, класічны, бальны, эстрадны танец і інш.); музычна-інструментальны (аркестры, ансамблі народных інструментаў, духавой, эстраднай, джазавай музыкі і інш.); дэкаратыўна-прыкладны і выяўленчы (студыі жывапісу, лоза – і саломапляцення, керамікі, вышыўкі і ткацтва, фларыстыкі, апрацоўкі дрэва і скуры і інш.); цыркавы, фота – , слайд – , кіна – , відэастудыі і іншыя жанры аматарскай музычнай творчасці.

Аматарская творчасць характарызуецца жанравай разнастайнасцю як мастацкіх калектываў, так і аб'яднанняў аматараў мастацтва (клубы самадзейнай песні, класічнай музыкі, народнай песні, тэатра, жывапісу, джаз-клубы, клубы самадзейных кампазітараў і паэтаў, арт-клубы і інш.).

Узнаўляючы каштоўнасці традыцыйнай беларускай культуры ў сучасных сацыякультурных умовах, аматарская музычная творчасць выступае ў якасці самастойнай падсістэмы сацыялізацыі асобы, сацыяльнага выхавання і адукацыі. З’яўляецца актыўным сродкам самарэялізацыі творчых здольнасцей асобы, яе самапраяўлення і самавызначэння; выступае дзейсныммеханізмам эстэтычнага развіцця асобы, забяспечвае змястоўную арганізацыю вольнага часу аматараў мастацтва.

Калектывы аматарскай музычнай творчасці ажыццяўляюць сваю дзейнасць на базе дзяржаўных, прафсаюзных, ведамасных устаноў культуры, вышэйшых, сярэдніх спецыяльных, сярэдніх навучальных устаноў, устаноў пазашкольнай адукацыі і выхавання, вайсковых часцей, прадпрыемстаў розных форм уласнаці, грамадскіх аб’яднанняў, творчых саюзаў і інш. Ствараюцца па ініцыятыве грамадзян, грамадскіх аб’яднанняў, устаноў, арганізацый, прадпрыемстваў, дзяржаўных органаў, а таксама органаў грамадскага самакіравання. У сваёй дзейнасці аматарскія калектывы спалучаюць прынцыпы дабраахвотнасці, даступнасці, агульнасці інтарэсаў удзельнікаў, ініцыатыўнасці, арганізацыі і самаарганізацыі , кіравання і самакіравання.

Дзейнасць аматарскіх калектываў рэгулюецца Законам “Аб культуры ў Беларускай ССР”, “Палажэннем аб самадзейным калектыве музычнай творчасці Рэспублікі Беларусь”, “Палажэннем аб народным самадзейным калектыве музычнай творчасці Рэспублікі Беларусь”, у якіх вызначана сутнасць дзяржаўнай палітыкі ў галіне аматарскай музычнай творчасці. Дзяржаўнае заканадаўства забяспечвае дастаткова высокую ступень свабоды культурна-творчай дзейнасці аматарскім калектывам, дае магчымасць наваўвядзенняў і сацыяльна-арганізацыйнага эксперыментавання у галіне аматарскай творчасці, праяўлення творчай ініцыятывы, сапраўднай самадзейнасці насельніцтва.

У розных рэгіёнах Беларусі існуе значная колькасць такіх мастацкіх фарміраванняў, заўважальных сваёй адметнасцю, якія творчай працай уносяць значны ўклад у нацыянальную культурную скарбонку: ў захаванне традыцыйнай культуры, яе рэгіянальных форм, дэманструюць найвышэйшы кшталт у відах і жанрах сучаснага мастацтва, яўляюць сабой ці традыцыю, ці навацыю ў спосабах дэманстрацыі творчых здабыткаў.

Па статыстычных даных, больш як за 30 тысяч аматарскіх мастацкіх калектываў працуе ў розных ўстановах і арганізацыях Беларусі, у тым ліку 12 тысяч рознапрофільных мастацкіх фарміраванняў для дзецей і падлеткаў. Значная колькасць калектываў аматарскай музычнай творчасці належыць дз клубным установам сістэмы Міністэрства культуры Беларусі (на пачатку 2002 г. колькасць калектываў складала 18895 адз.); установам культуры клубнага тыпу іншых ведамстваў, якія з'яўляюцца сапраўднымі цэнтрамі развіцця аматарскай творчасці і сацыяльна-культурных ініцыятыў, надаюць арганізаваны характар розным відам і формам музычнай творчасці аматараў. Каля 1500 мастацкіх калектываў працуе ва ўстановах культуры сістэмы Федэрацыі прафсаюзаў Беларусі. Шырока прадстаўлена аматарская творчасць у навучальных установах краіны.

З мэтай падтрымкі і стымулявання аматарскай музычнай творчасці, павышэння яе ўплыву на працэсы развіцця грамадскай актыўнасці насельніцтва ў сферы мастацтва, яе сацыяльнай ролі і ідэйна-мастацкага ўзроўню выканальніцкага майстэрства і далучэння на мастацка-эстэтычных каштоўнасцей розных груп насельніцтва у Беларусі праводзяцца шматлікія святы, канцэрты, конкурсы, агляды і іншыя сацыяльна-культурныя акцыі.Пералічаныя формы арганізацыйна-творчай і навукова-метадычнай падтрымкі аматарскай творчасці з’яўляюцца найважнейшым кірункам дзейнасці дзяржаўных органаў кіравання і дзейсным спосабам ўплыву на працэсы яе развіцця.Важным кірункам у стымуляванні і развіцці аматарскай творчасці з’яўляюцца міжнародныя, рэспубліканскія і рэгіянальныя фестывалі.

Штогод іх праводзіцца каля 50, у тым ліку і стаўшыя ўжо традыцыйнымі: міжнародны фестываль аматарскай музыкі «Звіняць цымбалы і гармонік», рэспубліканскі фестываль народнага танца “Беларуская полька”, Усебеларускі фестываль народнага гумару «Аўцюкі - 2000», міжнародны фестываль юных талентаў «Зямля пад белымі крыламі» “Сожскі карагод” і інш. Традыцыйным стаў Усебеларускі фестываль нацыянальных культур, у якім прымаюць удзел лепшыя мастацкія калектывы і выканаўцы самых розных жанраў аматарскай творчасці. Важным творчым стымулам для аматарскіх мастацкіх калектываў і эфектыўнай формай прапаганды беларускага мастацтва сталі таксама традыцыйныя фестывалі, якія з’яўляюцца сапраўднай візітоўкай культуры Беларусі: “Славянскі базар”, “Залаты шлягер”. Галоўным аглядам стану аматарскай творчасці з’яўляецца Усебеларускі фестываль народнага мастацтва “Беларусь – мая песня”. Працэс фарміравання фестывальных традыцый аматарскай музычнай творчасці ідзе актыўна як на рэспубліканскім, так і мясцовым узроўнях.

Адным з найбольш эфектыўных спосабаў уплыву на развіццё аматарскай музычнай творчасці з’яўляецца прысваенне ганаровых найменняў – «народны (узорны) самадзейны калектыў музычнай творчасці», як формы праяўлення грамадскага прызнання значнасці ўкладу аматарскага калектыву ў развіццё музычнай культуры і культурнае абслугоўванне насельніцтва. Права на наданне гэтых найменняў аматарскім калектывам рознай ведамаснай прыналежнасці належыць Міністэрству культуры Рэспублікі Беларусь

Аб высокім узроўні развіцця аматарскай музычнай творчасці сведчыць колькасць “народных” і “ўзорных” калектываў, што працуюць пад “дахам” устаноў культуры розных ведамстваў. Па рэспубліцы іх налічваецца больш за 1600 адзінак. У дзяржаўных клубных установах працуе 936 «узорных» і «народных» аматарскіх калектываў, 260 мастацкіх калектываў сістэмы Федэрацыі прафсаюзаў Беларусі і 230 аматарскіх фарміраванняў сістэмы Міністэрства адукацыі таксама маюць гэтыя ганаровыя найменні ( даныя на канец 2001г.).

Штогод каля 50 калектываў аматарскай творчасці розных жанраў і кірункаў, якія працуюць у дзяржаўных клубных установах, атрымоўваюць ганаровыя званні «народны» і «узорны». У рэгіёнах Беларусі вызначаецца спроба стварэння раёных філарманічных арганізацый на базе існуючых клубных структур з мэтай пашырэння сферы канцэртна – гастрольнай дзейнасці аматарскіх калектываў.

Для падтрымкі найбольш самабытных і яркіх у мастацкіх адносінах аматарскіх калектываў, якія спрыяюць развіццю аматарскай творчасці, далучэнню насельніцтва да каштоўнасцей музычнай культуры і ўяўляюць сабой мастацкую каштоўнасць для краіны, уведзена практыка прысваенне звання «Заслужаны аматарскі калектыў Рэспублікі Беларусь» (Пастанова Савета Міністраў і Палажэнне аб парадку надання гэтага звання былі зацверджаны 2 лістапада 2001 года).

За творчыя дасягненні, высокае выканальніцкае майстэрства, актыўную канцэртна-гастрольную дзейнасць, уклад у развіццё і папулярызацыю нацыяльнальнага мастацтва званне “Заслужаны аматарскі калектыў Рэспублікі Беларусь” прысвоена:

народнаму ансамблю танца “Радасць” Брэсцкага гарадскога Дома культуры;

народнаму вакальна-харэаграфічнаму ансамблю “Гомій” Гомельскага гародскога цэнтра культуры;

народнаму фальклорнаму гурту “Журавінка” Слабадскога сельскага Дома культуры Лельчыцкага раёна Гомельскай вобласці;

народнаму фальклорнаму ансамблю “Крупіцкія музыкі” Крупіцкага цэнтра культуры Мінскага раёна;

народнаму ансамблю беларускай песні “Церніца” Мінскага Палаца культуры і спорта чыгуначнікаў.

народнаму фальклорнаму ансамблю “Паазерье” выкладчыкаў Пастаўскай дзіцячай музычнай школы Віцебскай вобласці;

народнаму ансаблю беларускай песні “Медуніца” Палаца культуры і тэхнікі рэспубліканскага унітарнага прадпрыемства “Магілёўскае вытворчае аб’яднанне “Хімвалакно”;

народнай харавой капэле Рэспубліканскага Палаца культуры прафсаюзаў.

Інфармацыйна-метадычную падтрымку калектывам аматарскай музычнай творчасці забяспечваюць абласныя навукова-метадычныя цэнтры народнай творчасці і раённыя арганізацыйна-метадычныя цэнтры культурна-асветніцкай работы.

Тема 7.

Классическая музыка (от лат. classicus - образцовый) – это музыка, соответствующая образцам музыкальной эпохи “классицизма”.

В последнее время термин “классика” используется в чрезвычайно узком значении, как техническое совершенство или высокое назначение отдельных произведений в противовес легкой развлекательной музыке. Этим словом называются все концертные произведения, а также композиторы, создающие симфонии, концерты, оперы, оратории. В то же время им называют и лучшие сочинения, и здесь граница тежду концертными и бытовыми произведениями исчезает. Появляется классика джаза, рока, эстрады, вальса, балета, оперы.

Данный термин предполагает обязательное использование широкого исторического контекста, а значит, взаимосвязи искусства в целом, творрчества отдельных композиторов и отдельных произведений.

Термин “классика” означает:

1. Адресованный искусству в целом означает: концептуальную ясность и отличие всех существующих жанров данного времени – этапа наиболее полной реализации потребностей (слушательских, исполнительских, композиторских) данной эпохи. Классика всегда относительна и конкретна, существует лишь в рамках определенной эпохи. Каждой эпохе присущ такой этап, который выражает высшие достижения времени, который можно назвать классикой и который всегда будет предшествовать этапу, переходному к следующей эпохе, а иногда и совпадать с ним.

2. По отношению к творчеству отдельных композиторов означает: охват разных жанров, передовую позицию автора в трактовке разных жанров и доступность для слушателей его концепции, отраженной в произведениях. Творчество того или иного художника как “классическое” возможно только в рамках классического этапа данной эпохи.

3. По отношению к отдельным произведениям термин “классическое” означает актуальную ценность их содержания, а значит, предполагает осознание и жанровой, и авторской концепции в содержании как образцовых.

Понятие “классика музыкальная” – это музыкальные произведения, отвечающие самым высоким художественным требованиям, сочетающие глубину, содержательность, идейную значительность с совершенством формы.

В этом смысле понятие “классика музыкальная”:

1.Не ограничено историческими рамками. К ней относятся как произведения, созданные в далеком прошлом, так и современные сочинения. Однако исторический опыт показывает, что при оценке музыкального произведения современники нередко допускали ошибки. Сочинения, не обладавшие высокими художественными достоинствами, приобретали популярность, т.к. отвечали тем или иным запросам своей эпохи. И наоборот, многие произведения, не получившие признания при жизни их авторов, с течением времени были оценены как классические и вошли в “золотой фонд” мирового музыкального искусства.

2.Не ограничено национальными рамками. Произведения, причисляемые к классике, получают признание не в одной стране, а во многих странах.

В одном случае понятие “классика музыкальная” – трактуется как исторически-конкретное-применительно к творчеству Й.Гайдна, В.А.Моцарта и Л.Бетховена; их творчество получило наименование венской музыкальной классики, венской классической школы. В этом смысле данное понятие обозначает определенное художественное течение (подобно родственному по словарному составу термину классицизм).

Во всех прочих случаях термин “классика музыкальная” не означает какого-либо определенного стиля, направления. Так, к музыкальной классике относят и сочинения И.С.Баха и Г.Ф.Генделя (“старые классики”), и творения композиторов-романтиков Ф.Шуберта, Р.Шумана, Ф.Шопена и других.

По мнение Леонарда Бернсталя классическая музыка – это точная музыка, написанная по строгим законам нотации и предназначена для точного воспроизводства с сохранением полной авторской точности, не допускает импровизации.

«АКАДЕМИЧЕСКИЕ ЖАНРЫ» МУЗЫКАЛЬНОГО ИСКУССТВА

Музыкальное искусство “академических жанров” включает оперную, балетную и симфоническую музыку.

Опера (итал. opera – труд, дело, сочинение) – это вид музыкально-театрального искусства; музыкально-драматическое произведение, основанное на синтезе слова, сценического действия и музыки.

Первая опера была создана во Флоренции в Салоне Барди, объединяющем поэтов, музыкантов и тонких ценителей искусства. Произведение это называлось «Дафна» и было написано в 1597 году. Но не этому спектаклю суждено было называться первой оперой. В 1600 году автора «Дафны» – композитор и певец Якопо Пери и поэт Оттавио Ринуччини создали следующее произведение – «Эвридика», которое было исполнено на бракосочетании французского короля Генриха IV с Марией Медичи. На свадьбе как кровные родственники присутствовали все монархи европейских государств. Пышный спектакль, поставленный в Палаццо Питти привел в восхищение всех. Каждому из гостей захотелось иметь у себя такой театр и подобные спектакли… и через некоторое время при дворах всех европейских правителей ставятся оперные спектакли, участники которых – сами придворные.

В 1618 году в Парме построен первый большой театр на 4500 зрителей, а в 1637 году в Венеции появился первый общедоступный платный оперный театр. Оперный театр XVII-XVIII веков не работал круглый год, как в наши дни. Церковь разрешала театральные представления лишь в определенное время, которое в Италии получило название «театральные сезоны». Таких «сезонов» в году было три: осенний – с сентября до декабря, зимний (карнавальный) – с конца декабря до конца марта, и весенний – с конца апреля до конца июня. В это время работают оперные театры, разрешаются ярмарочные представления народных артистов. Для аристократов в зрительном зале предназначались ложи, они закупались на весь сезон и были собственностью таких семей. На ярусе и галерее места отводились для средних и низших слоев населения с разовыми входными билетами. В партере – не было кресел, стульев, сидений, - здесь надо было смотреть и слушать стоя, и вход в партер был бесплатным или за ничтожную плату.

Таким образом, опера возникла в Италии на рубежах XVI и XVII веков. Первоначально она называлась «драма на музыке»,термин «опера» появился в середине XVII века. Импульсом к созданию оперы послужила ренессанская идея воскрешения древне-греческой трагедии, выдвинутая группой ученых-гуманистов, писателей и музыкантов. ЕЕ возникновение подготовлено развитием в XVI веке вокальной монодии (сольное лирическое пение в сопровождении инструмента).

В «ученое» придворное зрелище, каким были первые оперы, подлинный драматизм и правду страстей вдохнул К.Монтеверди. Опера XVII века отличалась пестротой действия, соединением высокого трагизма с шутовским комизмом, обилием декорационных эффектов.

В ходе исторической эволюции были выработаны разнообразные оперные жанры, такие как:

1. Опера-сериа (итал. opera seria – серьезная опера) – это жанр итальянской оперы, сложившийся в начале XVIII века. Тип классической оперы-сериа ярко представлен в творчестве А.Скарлатти. Для этого жанра типично господство историко-мифологического и легендарно-сказочных сюжетов и ярко выраженное разделение функций слова и собственно музыки. Дж.Россини (1792-1868) преобразовал жанр, драматизировал оперу-сериа и расширил средства художественной выразительности.

2. Лирическая трагедия – это особая разновидность классицистской оперы, сложившейся во Франции в XVIII веке, виднейшими представителями которой были Ж.Б.Люлли и Ж.Ф.Рамо.

Они включили в оперу хора, танцы и оркестровые эпизоды.

3. Сарсуэла – испанский национальный музыкально-драматический жанр, близкий к оперетте, хоровые и сольные номера чередуются с разговорными диалогами и танцами.

4. Комическая опера (итал. opera вивва) – сложилась в 30-е годы XVIII века. В разных странах появляются особые разновидности этого жанра: балладная опера – в Англии, опера-буффа – в Италии, опера-комик – во Франции, зингшпиль – в Германии и Австрии. Для этого жанра характерны небольшие масштабы, два-три действующих лица, веселая буффонада, подвижность действия, пародия, яркая, живая мелодика, ясность стиля, а также речитатив (мелодия, интонационно и ритмически близкая к разговорной речи, это как бы «распетая речь»), а не разговорные диалоги. Для комической оперы характерны острозанимательные авантюрно-приключенческие сюжеты. Представители этого жанра: К.В.Глюк, В.А.Моцарт, Д.Ф.Обер, Дж.Росини, Г.Доницетти.

5. Романтическая опера – сложилась в первой половине XIX века в эпоху романтизма. Первыми представителями романтической оперы в Германии были Гофман (опера «Ундина») и Вебер (1786-1826). Для немецкой романтической оперы характерны народность образов, соединение легендарной или сказочной фантастики с сочной обрисовкой быта. В произведениях Вебера определились основные направления немецкой романтической оперы:

· Народно-легендарная и сказочная опера («Вольный стрелок», «Оберон»);

· Опера на средневековый рыцарский сюжет («Эврианта»), в которой разговорные диалоги заменены регитативами.

Романтическое направление представлено в творчестве великого немецкого композитора Рихарда Вагнера (1813-1883). Он создал так называемые музыкальные драмы с новым типом мелодии – «бесконечной мелодией». Вагнер создал на основе наградной мифологии грандиозную философскую картину мира [(оперная тетралогия (четыре оперы) “Кольцо нибелунга”)].

6. Большая опера (grand opera – фр.) – сложилась в XIX веке во Франции. Для нее характерны трагические судьбы героев, обуреваемых сильными страстями, показаные на фоне острых исторических конфликтов (Д.Ф.Обер, Дж.Мейербер, Ф.Галеви). Опера Д.Ф.Обера «Фенелла» имеет исторический сюжет «раскрывающийся через ритмонитонации народных песен, танцев и музыки Великой французской революции.

7. Лирическая опера – возникла во второй половине XIX века и получила свое развитие во Франции. Этот жанр отличается от большой оперы более интимной тематикой и сюжетами, заимствованными из классической литературы. Это опера "«анон"»Ж.Массне, "«Фауст" и «Ромео и Джульетта» Ш.Гуно, «Гамлет» А.Тома и другие. В лирической опере правдиво и тонко воплощение человеческие переживания. Для обрисовки быта характерна поэтичность. Музыкальный язык опер близок к городскому фольклору.

8. Оперетта (итал. operetta – малая опера) – это легкая опера, включаюіая танец и диалог (произошла от комической оперы). Сложилась во Франции в середине XIX века, ее родоначальники – композиторы Ф.Эрве и Ж.Оффенбах.

Явлением мирового значения стала в XIX веке русская опера. Первым классиком которой по праву признается М.И.Глинка (1804-1857). По значению вклада в развитие музыкальной культуры Глинка занимает место, равное Пушкину в литературе. Основу его стиля составила народная музыка, прежде всегорусская. Он заложил основы двух главных направлений отечественной оперной классики: народной музыкальной драмы и оперы сказочно-эпического жанра. В опере «Иван Сусанин» главным действующим лицом композитор сделал крестьянина, мужественного и самоотверженного патриота. В опере «Руслан и Людмила» он обратился к сценам из жизни Древней Руси и восточным сказкам. А.С.Даргомыжский первым создал народно-бытовую музыкальную драму-оперу «Русалка», в которой в образе мельника отразил сочувствие к «маленькому» человеку.

Развитие оперы на протяжении ХХ века проходило сложными путями. Значительно изменяются ее образно-выразительный строй и драматургическая структура под воздействием новых художественных течений – импрессионизма, экспрессионизма, неоклассицизма. Общая тенденция к взаимопроникновению жанров сближает оперу, с одной стороны с драматическим театром, с другой – с ораторией и кантатой. Возникают новые виды оперы – джазовая (Дж.Гершвин), во второй половине ХХ века в США и Великобритании – рок-опера.

Балет (фр. ballet, ит. Balletto – танцую) – это вид сценического искусства, содержание которого выражается в музыкальных хореографических образах. Балетная музыка – это прежде всего музыка танцевальная, с яркой и выразительной мелодией. А театральный спектакль – это синтез хореографии, действия, актерской игры, цветового и светового оформления, где музыка сопровождает, иллюстрирует, дополняет, конкретизирует и объединяет все то, что происходит на сцене.

Музыка балета, создаваемая на основе балетного либретто с учетом хореографического решения, дает хореографии эмоционально-образную и метроритмическую основу.

Термин «балет» возник в Италии в конце XIV века для обозначения танцевального эпизода в опере, передающего определенное настроение или объединенного единым действием. Выделение балета в самостоятельный вид искусства произошло позднее. В первых французских балетах («комедийный балет королевы», 1581, и другие) музыкальную основу составляли бытовавшие тогда народные и придворные танцы, входившие в старинную сюиту (циклическое инструментальное произведение из нескольких самостоятельных пьес).

Реформа балетного театра, связанная с деятельностью балетмейстера Ж.Ж.Новера, утвердила активную роль музыки как «программы, определяющей движения и действия танцовщика». В конце XVIII начала XIX веков наряду со становлением симфонических и оперных жанров происходило развитие музыки балета. Одна из первых попыток симфонизации музыки сопровождения к балету – «Творения Прометея» Бетховена (1801).

Романтическое направление в балете утвердили «Жизель», «Корсар» Адана, «Коппелия» Делиба и другие. В XIX веке стабилизировалась тенденция к упрощенному пониманию функции музыки балета как четко ритмизованного, лишенного индивидуализации образов сопровождения для танца. Качественно новый этап в развитии балетного искусства ознаменовало творчество П.И.Чайковского. Его музыка стала основой нового типа балетного спектакля, большого симфонического, классического балета, в котором через многоплановые образы утверждались общечеловеческие чувства и мысли. В балетах «Спящая красавица», «Щелкунчик», «Лебединое озеро», музыка и танец слились воедино и достигли высочайшей выразительности и технического совершенства.

Большое значение для развития балетной музыки имели балеты И.Ф.Стравинского – «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», созданные главным образом для «Русских сезонов» и связанные с новаторскими поисками балетмейстера М.М.Фокина. В этих балетах Стравинский широко использовал русский музыкальный фольклор, придав ему особую яркость и динамичность.

С.Дягилев, один из основателей «Мира искусства» занимается пропагандой русского искусства (с 1906 года), русского балета. С 1909 года он организует гастроли лучших его артистов, а с 1911-го – создает свою балетную труппу, куда привлекает лучших танцовщиков, художников, композиторов.

С начала ХХ века, наряду с развитием большого балетного спектакля, утверждается практика хореографической интерпретации музыкальных произведений иных жанров, главным образом симфоний, не предназначенных для балетного театра. Это направление в балете в большей мере связано с деятельностью балетмейстера Дж.Баланчина. Развивая традиции классической и русской музыкально-театральной культуры, советские композиторы расширили тематический и жанровый диапазон балетных спектаклей. Среди первых советских балетов – «Красный мак» Глиэра (1927), «Золотой век» Шостак (1930) и другие.

Большую роль в создании балетного репертуара 30-40-ых годов принадлежит Б.В.Асадьеву – автору балетов «Пламя Парижа», «Бахчисарайский фонтан».

Этапными для развития балета явились произведения С.С.Прокофьева, определившие дальнейшее утверждение в балетной музыке принципов симфонизации и конфликтной драматургии: «Ромео и Джульетта» – одна из вершин мирового музыкального искусства.

Выдающимся достижением советской балетной музыки стал балет «Спартак» Хачатуряна (1956) и многие другие. В советском балетном театре часто практикуется хореографическое воплощение не балетной музыки различных жанров, в том числе симфоний (седьмая и одиннадцатая Шостаковича и другие).

Симфония (от греч. Sumphonie – созвучие, благозвучное сочетание тонов) – это ведущий жанр оркестровой музыки, сформировавшийся в середине XVIII века. Термин «симфония», возникший в Древней Греции, обозначал в Западной Европе до появления жанра симфонии, разнообразные вокально-инструментальные композиции, инструментальные полифонические пьесы и другие.

Именно в оперном театре формируется симфония как новый оркестровый жанр. В театре перед спектаклем и в антрактах, выполняя функцию звонков, звучала инструментальная музыка. Но ансамблевые произведения, предназначены для сольного исполнения, а играть соло, когда кто-то ищет свое место в зале, когда в театре шум, движение, не очень приятно для музыканта-виртуоза. Поэтому, создавая инструментальные произведения для исполнения в театре, в частности перед спектаклем, композиторы стали сокращать сольные партии, превращая их в эпизоды, контрастирующие со звучанием всего оркестра, и особенное внимание уделяли развитию оркестрового звучания. В сущности, они стали писать произведения для оркестра, хотя названия «соната», «кончерто гроссо», «концерт» порой сохранялись, а звучащие перед спектаклем сочинения имели и другие названия: «симфония», «увертюра». Тематически эти произведения не были связаны со спектаклем, а потому исполнялись в концертах, где в дополнение с существующим добавились другие – «камерная симфония», «концертная симфония». В конечном счете за такими произведениями для оркестра в концертном исполнении закрепляется название «симфония», а для инструментальных вступлений в театре – «увертюра».

В симфониях первой половины XVIII века уже намечаются определенные тенденции.

Первые части симфоний, быстрые, активные и динамичные, тяготеют к сложной и многотемной форме. Медленные части чаще пишутся в форме вариаций. Финалы стремительные и радостные, всегда основаны на танце, и нередко здесь звучит менуэт. Определяется основное: симфония становится жанром, где главное – контраст движения отдельных частей, смена настроения, эстетических, нравственных и мировоззренческих представлений. Пожалуй, ни в одном жанре нравственные и мировоззренческие представления не стали центром внимания, не были столь важны, как в симфонии.

Музыкально-звуковые представления и переживания отражают в ней Мир и Человека в нем. Что есть Мир,, какова роль Человека, можно ли преобразовать Мир – вот что стремится отразить симфония. Так в результате увлечения ансамблевой игрой и возможностями оркестра рождается самый сложный жанр, отвечающий потребности слушателей размышлять об окружающем мире, жизни, отмечать в ней светлое и мрачное, доброе и недоброе, а также осмысливать самих себя в этой жизни.

Свой классический облик симфония приобретает у представителей венской классической школы – Й.Гайдна, В.А.Моцарта, Л.Бетховена. В их творчестве откристаллизовался четырехчастный сонатно-симфонический цикл, включающий Allegro в сонатной форме, медленную часть, менуэт (позже скерцо) и финал; стабилизировался исполнительский аппарат симфонии – парный состав симфонического оркестра с четкой функциональной дифференциацией на группы. Ими созданы различные типы симфонизма – народно-жанровый, лирико-драматический, героико-драматический.

«Отцом симфоний» называют Франца Йозефа Гайдна, учителя Моцарта и Бетховена им было создано свыше 100 симфоний, в основе которых лежит тема народных песен и танцев.

Вершинами классического симфонизма В.А.Моцарта стали три симфонии, написанные в 1788 году:

- симфония № 39 – в ней показана жизнь человека, полная радости, игры, веселого танцевального движения;

- симфония № 40 раскрывает глубокую лирическую поэзию движения человеческой души;

- симфония № 41, названная современниками «Юпитер», обнимает весь мир с его контрастами и противоречиями «утверждает разумность и гармоничность его устройства.

Бетховен полностью отказался от всевластия менуэта и заменил его скерцо («шутка») в своих поздних симфониях. Бетховенские скерцо всегда очень живые и быстрые, их бурный характер резко контрастирует со зловещими, сумрачными медленными частями его симфоний.

Жанры симфонической музыки:

1. Симфоническая картина – одночастное программное произведение, характеризующееся свободой, чаще вариационной формой, созерцательностью, неторопливой повествовательностью, обилием живописных деталей. Образы симфонической картины часто связаны с пейзажем или жанрово-бытовыми, сказочно-фантастическими и батальными сценами и не претерпевают значительных изменений.

2. Симфоническая поэма – жанр, созданный Ф.Листом и выражающий романтическую идею синтеза искусств. Это прежде всего одночастное оркестровое произведение, допускающее разнообразные источники программы (литература и живопись, реже – философия или история; картины природы). Скрябин «Прометей», «Поэма экстаза».

3. Симфоническая фантазия – отличающийся свободой развития, яркими контрастами, сочетанием различных принципов формообразования (сонатности, вариационности, рондальности). Это одночастное оркестровое сочмнение, имеющее какую-либо программу (основанное на разработке народных песенно-танцевальных тем).

4. Симфонниета (ит. Simfonietta) – отличается от симфонии меньшим масштабом цикла и оркестровым составом (малый симфонический или камерный оркестр). Для симфониетты характерна светлая, нередко народно-жанровая образность в отличие от более психологизированной трактовки камерной симфонии.

5. Камерная симфония – одна из разновидностей симфоний, появившихся в начале ХХ века, как реакция на грандиозные масштабы позднеромантических симфоний. Типичны сокращенный оркестровый состав (струнные, смешанный состав, камерный оркестр с солистами, ансамбль солистов), уменьшение количества частей (до одной-двух и их длительности.

6. Концертная симфония – произведение для группы солистов с оркестром. Зародилась в XVIII веке, в это время ее называли концертом, концертино, конгертоне, концертным дуэтом.

Таким образом, можно смело говорить о живучести классической традиции в опере, в балете, в симфонии. В оперных театрах Милана, Парижа, Лондона, Рима идут оперы Чайковского, Верди, Моцарта, Шумана; музыкальное образование в музыкальных школах, училищах и консерваториях Европы учащиеся получают, исполняя произведения Баха, Шопена, Листа, Рахманинова.

Тема 8.

Джаз – явление музыкальной культуры ХХ века первоначально родившийся из сплава различных фольклорных течений американского континента танцевальной, песенно-бытовой и ритуальной музыки, американских негров и американцев испанского происхождения. Будучи помноженным на особенности народной и бытовой музыки различных национальных культур, джаз претерпел изменения, появились новые формы джазовой музыки, в чем-то сходные, а в чем-то значительно отличающиеся от американского джаза.

Истоки джаза в блюз и рэгтайм – явление «внеевропейского» происхождения. История джаза в Европе начинается двумя десятилетиями позже, чем в Амер