Главная Случайная страница


Категории:

ДомЗдоровьеЗоологияИнформатикаИскусствоИскусствоКомпьютерыКулинарияМаркетингМатематикаМедицинаМенеджментОбразованиеПедагогикаПитомцыПрограммированиеПроизводствоПромышленностьПсихологияРазноеРелигияСоциологияСпортСтатистикаТранспортФизикаФилософияФинансыХимияХоббиЭкологияЭкономикаЭлектроника






Французкая живопись первой половины 17 века.

Творчество К. Лоррена.

 

Клод Лоррен родился в 1600 году в независимом в ту эпоху герцогстве Лотарингия (Lorrain) в крестьянской семье. Рано остался сиротой. Получив начальные познания в рисовании от своего старшего брата, искусного гравёра на дереве во Фрайбурге, в Брайсгау, в 1613—14 гг. он отправился вместе с одним из своих родственников в Италию. Работая слугой в доме художника-пейзажиста Агостино Тасси, усвоил некоторые технические приёмы и навыки. С 1617 по 1621 Лоррен жил в Неаполе учился перспективе и архитектуре уГотфрида Вельса, и совершенствовался в пейзажной живописи под руководством Агостино Тасси, одного из учеников П. Бриля, в Риме, где после этого прошла вся жизнь Лоррена, за исключением двух лет (1625-27), когда Лоррен возвращается на родину и живёт в Нанси. Здесь он декорирует свод церкви и пишет архитектурные фоны в заказных работах Клода Дерюэ, придворного живописца герцога Лотарингского.

В 1627 году Лоррен опять уезжает в Италию и обосновывается в Риме. Там он живёт до самой смерти (1627—1682). Вначале он выполнял заказные декоративные работы, т. н. «пейзажные фрески», но позже ему удалось стать профессиональным «пейзажистом» и сосредоточиться на станковых работах. Кроме того, Лоррен был великолепным офортистом; он оставил занятие офортом лишь в 1642, избрав окончательно живопись.

В 1637 французский посол в Ватикане покупает у Лоррена две картины, которые теперь находятся в Лувре: «Вид Римского Форума» и «Вид порта с Капитолием».

В 1639 испанский король Филипп IV заказывает Лоррену семь работ (ныне — в музее Прадо), из которых — два пейзажа с отшельниками. Из других заказчиков необходимо упомянуть папу Урбана VIII (4 работы), кардинала Бентивольо, принца Колонну.

В эпоху барокко пейзаж считался второстепенным жанром. Лоррен, тем не менее, получает признание и живёт в достатке. Он снимает большой, трёхэтажный дом в центре столицы, неподалёку от площади Испании (с 1650); с 1634 он — член Академии св. Луки (т. е. художественной академии). Позже, в 1650 ему предлагают стать ректором этой Академии, от такой чести Лоррен отказывается, предпочитая спокойную работу. Он общается с художниками, в частности — с Н. Пуссеном, соседом, которого он посещает часто в1660-х, чтобы выпить с ним по стаканчику хорошего красного вина.

Вначале Лоррен писал небольшие работы с пасторальными фигурами на холсте или меди; затем — порты, с заходящим солнцем. Со временем под влиянием художников-классиков его композиции становятся всё масштабнее, с литературными сюжетами (сам Лоррен не получил особого образования — он был самоучкой; тем не менее, читал и писал на французском и итальянском). В позднем периоде работы художника становятся всё более интимными по характеру и отличаются очень деликатной фактурой (часто это эпизоды «Энеиды» Вергилия).

В своих ландшафтах, задуманных и исполненных в возвышенном классическом стиле, Лоррен стремился не столько к точной детальной передаче природы, сколько к выражению возбуждаемого ею поэтического чувства, старался произвести впечатление красотой линий, уравновешенностью изображаемых масс, ясной градацией тонов в близких и дальних планах, эффектным контрастом света и тени, без нарушения, однако, существенных условий правды.

С большим мастерством художник изображал игру солнечных лучей в различные часы дня, свежесть утра, полуденный зной, меланхолическое мерцание сумерек, прохладные тени теплых ночей, блеск спокойных или слегка колышущихся вод, прозрачность чистого воздуха и даль, застилаемую лёгким туманом. В его творчестве можно различать две манеры: картины, относящиеся к ранней поре его деятельности, писаны сильно, густо, в теплых тонах; позднейшие — более плавно, в холодноватом тоне. Фигуры, которыми обыкновенно оживлены его пейзажи, принадлежат, в основном, не его кисти, а его друзей — Ф. Лаури, Я. Миля, Фр. Аллегри и Н. Колонбеля.

Лоррен, в отличие от Пуссена, выходил за рамки метафизического пейзажа. В его работах всегда важен свет. Он — первый, кто исследовал проблему солнечного освещения, утреннего и вечернего; первый, кто серьёзно заинтересовался атмосферой, её светонасыщенностью. Его работы оказали влияние на развитие европейского пейзажа, в частности, на Уильяма Тёрнера (нач. XIX века).

В последние десятилетия (1660—80 гг.) Лоррен работает медленнее, но всегда с успехом. К этому периоду относятся эрмитажные «Времена суток». В поздних работах Лоррен сам пишет фигуры. Он их помещает в воображаемые строения; тематически — это вольные интерпретации римских поэтов, особенно Овидия и Вергилия: «Вид берега Делоса с Энеем», 1672(Национальная Галерея, Лондон), «Парнас» (Музей Изящных Искусств, Бостон).

Последняя работа Лоррена — «Пейзаж с Осканием, стреляющим в оленя» (Музей в Оксфорде) закончена в год смерти художника и считается настоящим шедевром.

Творчество.

Движимый желанием оставить у себя воспоминание о картинах, вышедших из его мастерской, или, быть может, с целью иметь документы для обличения множества спекулянтов, воровавших его сюжеты и подделывавших его манеру живописи, Лоррен воспроизвел большинство своих пейзажей в рисунках, начерченных пером и пройденных бистром, и составил из таких эскизов сборник, под заглавием: «Liber veritatis» — «Книга истины» (200 рисунков; находится у герцога Девонширского, в Англии). Этот сборник был впоследствии (в 1774) издан вгравюрах-факсимиле Р. Ирломом. Отлично владея гравировальной иглой, в 1630—1662 гг. Лоррен исполнил сам сорок шесть гравюр со своих картин.

Работы.

§ «Морская гавань» (ок. 1636), Лувр

§ «Отплытие св. Урсулы» (1646), Лондон, Национальная галерея

§ «Пейзаж с Ацисом и Галатеей» (1657), Дрезден

§ «Поддень» (Отдых на пути в Египет)(1661), Эрмитаж

§ «Вечер» (Товий и ангел) (1663), Эрмитаж

§ «Утро» (Иаков и дочери Лавана) (1666), Эрмитаж

§ «Ночь» (Борьба Иакова с ангелами) (1672), Эрмитаж

§ «Вид берега Делоса с Энеем» (1672), Лондон, Национальная галерея

§ «Асканий, охотящийся на оленя Сильвины» (1682), Оксфорд, Музей Ашмола

 

И. Риго (1659-1743 гг.)

Даже в XVIII в. Риго ставили в упрек его пристрастие к вычурным театральным позам и к «fracas» драпировок — непременно шелковых или бархатных, вздымающихся от дуновения необъяснимого вихря. Но стоит вглядеться в самые «маски» изображенных лиц, чтобы и Риго получил все наше признание. Это величайший рисовальщик человеческого лица, тонкий и умный психолог и — что особенно важно отметить — это великий, почти неумолимый реалист. Характерно, что он отказывался писать дам, ибо такая задача всегда связана с большими уступками требованиям кокетства. Зато мужские портреты он умел так разукрасить всякой околичностью (которую он неизменно с неподражаемым мастерством писал с натуры), что заказчики оставались довольны даже в тех случаях, когда черты их увековечивались в очень неприглядном виде. Так, сам Людовик XIV одобрил написанный с себя портрет Риго, тогда как на самом деле огромная, утрированно-парадная «machine» говорит прискорбные вещи о состарившемся и обрюзгшем короле-лицедее.

«Людовик 14», 1701 г., «Портрет Фридрих 2-го»

Н. Ларжильер (1656-1746 гг.) «Портрет маркизы Гейдан в виде Флоры», «Автопортрет с семьей» 1730 г. (рококо)

Автопортрет 1707 г.

Портрет маркизы Гейдан в виде Флоры

 

Автопортрет с семьей.

 

 

Братья Ленен

Братья родились в Лане и работали в Париже, им принадлежат картины из жизни крестьян и мелких буржуа. Работали в близкой манере, подписывались одной фамилией, поэтому их работы с трудом поддаются различению. Более известен Луи, ему приписывают преобладающую часть картин из крестьянской жизни. Преобладающую часть миниатюр приписывают Антуану, портреты — Матье.

1629 г. - едут в Париж, поселяются в Сен Жермен и открывают свою мастерскую, которую возглавил старший брат - Антуан.

1632 г. - Антуан договаривается с Парижской муниципальной галереей о создании группового портрета, олицетворяющего лицо города. Одновременно получает заказ на создание декораций в церкви Богоматери де Птиз-Опостэн. Из 6 композиций этого ансамбля сохранилось только 4:

§ "Представление Богоматери в храме"

§ "Благовещение"

§ "Встреча Марии и Елизаветы"

§ "Рождество"

Такие работы как "Рождество Богоматери" и "Успение Богоматери" были утеряны.

Луи Ленен. Кузница Счастливое семейство.

Луи Ленен. Две девочки.

 

 

Картины невелики по размерам. Выявленные четкой обобщенной линией контура почти статуарные фигуры располагаются обычно в определенных пространственных границах. Вместе с тем в полотнах создается ощущение глубины, особенно тогда, когда фоном для фигур служат пейзажи, просторные равнины Пикардии, открытые солнцу и напоенные воздухом.

Многие картины, изображающие сцены в интерьере крестьянского дома, отличаются общим серо-коричневым тоном, данным в изысканных переходах от более светлых, серебристых до коричневато-шоколадных оттенков. Этот благородный и очень сдержанный колорит вместе с тем вполне конкретен. Он передает цвет грубых одежд, выгоревших от солнца и пропитанных пылью, сумрачность малоосвещенной и бедной комнаты и словно сущность самой жизни ее обитателей, скромной, неяркой и однообразной.

Там, где мастер изображает сцены на открытом воздухе, преобладает светлый серебристый колорит. Одна из самых известных его картин — «Семейство молочницы» (Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж). Раннее, овеянное туманной дымкой утро, крестьянская семья отправляется на рынок. Пластически законченные фигуры четко выступают на легком воздушном фоне. Художник с теплым чувством изображает молочницу, состарившуюся от труда и лишений, усталого крестьянина, толстощекого рассудительного мальчугана, хрупкую, не по годам серьезную девочку. Сзади — широкая долина, далекий город на горизонте, синее бескрайнее небо. Художник мастерски передает тусклое сияние медного бидона, твердость каменистой почвы, грубую домотканую одежду крестьян, мохнатую шерсть ослика. Гладкое почти эмалевое письмо соединяется со свободной, прозрачной живописью.

Картины Луи Ленена лишены оттенка будничного прозаизма, в них всегда чувствуется что-то значительное. Истинно французский мастер, Луи Ленен внутренне близок к Жоржу де Латуру и Пуссену, хотя и идет своим путем.

Названия его картин, возникшие позже, условны. В одних из них можно наметить некоторые сюжетные связи, другие полотна почти лишены сюжета. В «Отдыхе всадника» (Лондон, Музей Виктории и Альберта) правдива сама ситуация, запечатлевшая разных людей, которые встретились на сельской дороге. Фигуры разобщены, статичны. Кажущаяся фрагментарность простой сцены подчинена лаконичной, строгой, глубоко продуманной и уравновешенной композиции. Среди произведений Луи Ленена эта картина считается наиболее близкой к традиции классического искусства, а образ смеющейся девушки с медным жбаном на голове принято сравнивать с колонной или античной кариатидой.

Неожиданной кажется луврская картина «Кузница», в которой Ленен выходит за рамки традиционных сюжетов. Его герои — кузнец в красной рубахе и окружающая его семья. Они статичны, разобщены, спокойны. Пламя горна наполняет тесную кузницу контрастами света и тени, переданными без караваджистской резкости и смягченными общим, золотисто-розовым тоном. Исходящая от картины напряженность порождена цветовыми пятнами, движением света, затесненностью пространства, энергией мазков. Полотно Луи Ленена — одно из первых образов труда в европейском изобразительном искусстве.

Валантен де Булонь

 

(фр. Valentin de Boulogne, правильнее Валантэн или Валантан, 1591 — † 1632), прозванный Лё Валантэн, имя от рождения Жан Валантэн (Jean Valentin) — французский художник эпохи барокко, представитель караваджизма.

Француз по рождению, он в ранней молодости прибыл в Италию, уже хорошо умея владеть кистью. В это время братья Караччипротиводействовали влиянию недавно умершего Караваджо на живопись. Никола Пуссен, французский художник, живший тогда в Италии, стоял на стороне братьев Караччи; но Валантен, сделавшийся другом Пуссена, чувствовал сильное влечение к живописи Караваджо, пренебрегшего преданиями, перешедшими от Рафаэля, Тициана и других славных предков. Подобно Караваджо, Валантен не был способен ни на какую идеализацию, признавал только живопись с натуры и брал себе в модели людей грубого разряда.

Итальянцы считают Валантена лучшим последователем Караваджо и причисляют его к своим художникам Римской школы. Пуссен не оказал большого влияния на Валантена, но тем не менее рекомендовал его тогдашнему покровителю искусств в Риме, кардиналу Барберини.

Некоторое время Валантен писал картины религиозного содержания, оставаясь и в них верным принципам Караваджо и своей натуре: его священные фигуры нисколько не идеализированы. В картине

§ «Мучение св. Прокесса и Мартиниана»

 

он хотел представить главным образом ужасы тех пыток, которым подвергнуты были эти мученики; в этом отношении он походил на испанского живописца Риберу. Впрочем, Валантен довольно скоро расстался с сюжетами религиозного содержания, и стал писать фигуры воинов, нищих, людей, пристрастных к вину, картежной игре, падших женщин и т. п. Тема, которую он исполнял несколько раз, это — концерты. Одежда играющих иногда обличает их богатство и, может быть, знатность, а выражения лиц, по замечанию некоторых критиков, принадлежат грабителям и плутам.

Деталь картины "Вечеря" Валантена де Булонь, Рим.

Валантен принадлежит к числу представителей натуралистической школы, которая в то время, однако, еще не умела вполне преследовать свои цели. Во всяком случае, французы причисляют Валантена к сонму своих известных художников того периода и ценят его произведения. В Лувре хранятся 11 его картин:

§ «Концерт»,

§ «Женщина, гадающая на руке солдату»,

§ «Две женщины и два солдата»,

§ «Суд Соломона»,

§ «Воздадите Кесарево Кесарю» и др.

В других городах Франции хранится также немалое число картин Валантена, равно как в Риме, Флоренции, Дрездене и т. д. В Петербурге, в Эрмитаже, имеются две картины Валантена из Священной истории:

§ «Отречение Петра» и

§ «Христос, изгоняющий торжников из храма».

Со многих его картин сделаны в разное время гравюры.

В Версальском дворце, в спальне короля можно увидеть серию картин, изображающих четырёх евангелистов, купленную Людовиком XIV в 1670 г.

Плут.

 

Жорж де ла Тур

 

 

Жорж де ла Тур. (La Tour, Georges de) (1593–1652), также Ла Тур, французский живописец, родился в Вик-сюр-Сей в Лотарингии и жил близ Люневиля до самой своей смерти 30 января 1652. Творчество мастера, забытое после его кончины, было заново открыто только в 1940-е годы. Для его картин характерна геометрически строгая композиция и напряженность религиозного чувства. Помимо нескольких документов, содержащих сведения о его женитьбе в 1621, назначении официальным художником Люневиля в 1644 и главным живописцем короля в 1646, мы не располагаем никакой информацией о жизни мастера. Ни одно из его произведений не может быть датировано с полной достоверностью.

Картины Латура обычно представляют собой освещенные пламенем свечи ночные сцены, написанные в манере Караваджо. Художник любил изображать библейских персонажей в обличье нищих и крестьян. Типичными для его творчества являются такие работы, как Новорожденный (Ренн, Музей изящных искусств), Поклонение пастухов(Лувр), Мученичество св. Себастьяна (Берлин – Далем, Государственные музеи), Скорбящая Магдалина (Нью-Йорк, Метрополитен).

 

 

Французкая скульптура 17 века.

 

Расцвет скульптуры. Оформление Версаля. Сочетание классицистических и барочных черт.

Франсуа Жирардон (1628-1715 гг.) Первый скульптор короля. Скульптурное оформлеие Версаля. Источник творчества – античность. «Апполон и нимфы»(1666-1668 гг.) круговая композиция, античная традиция пластики, сочетание фактур, идеализация лиц и фигур.

«Статуя Людовика 14-го» (1680-1692 гг.), «Надгробие кардинала Ришелье» (1675-1694 гг.), «Похищение Прозерпиы» (1677-1699 гг.), «Зима»

Антуан Куазевокс (1640 -1720 гг.) –оформление Версаля.

Декоративность, сочетание классических и барочных черт «Людовик 14 переходящий через Рейн»(рельеф), «Надгробие кардинала Мазарини»(1689-1693 гг.), «Бюст Людовика 14-го»(1686г.)

Мария-Аделаида Савойская, принцесса бургундская в образе Дианы» (1710 г.),

скульптуры площади Согласия.

 

 

Пьер Пюже (1622 -1694 гг.) Влияние Микеланджело и Бернини. Статуи Атлантов для ратуши в Тулоне (1656 г.), «Геркулес отдыхающий»(1661 г.), «Геркулес» (1661 г.) (Гальский Геракл) «Св. Себастьян», «Персей и Андромеда», драмматичность, интерес к эмоциям, «Милон Кротонский» (1672-1682гг.), «Встреча Александра с Диогеном»(1692г.), «Гомер» (1693г.)

 

Каприччо с Колизеем.

Каприччо с Капитолием.

Вид с виллой Мельци.

Площадь Синории во Флоренции.

 

Франче́ско Гва́рди (итал. Francesco Guardi; 5 октября 1712, Венеция — 1 января 1793, там же) — итальянский художник, видный представитель венецианской школы ведутистов.

Сын художника, в четырехлетнем возрасте потерял отца. Художниками были его братья, художником стал и его сын Джакомо. Сестра Франческо, Мария Чечилия, была замужем за Джованни Баттиста Тьеполо.

Оценённый по достоинству лишь в эпоху импрессионизма, Гварди долго находился в тени знаменитых мастеров венецианской ведуты Каналетто, и его племянника Бернардо Беллотто, также носившего это прозвище. Однако Гварди был художником, писавшим не только городские виды, но и фигурные станковые картины, где им было сделано немало ценного. Считается одним из последних представителей классической венецианской школы живописи. Учился у своего брата, Джованни Антонио (1698–1760), мастера алтарных композиций в стиле рококо. Манера исполнения его более поздних произведений напоминает живопись Тьеполо и Маньяско. Гварди прославился как создатель поэтических, полных фантазии видов Венеции. Его пейзажи основаны на непосредственных впечатлениях и наблюдениях. Влажность воздуха, мерцающий свет, играющий в водах лагуны, и яркое небо переданы с помощью тончайших гармонических переходов тона и цвета. Среди лучших пейзажей Гварди – Рио деи Мендиканти (Бергамо, академия Каррара) и Лагуна (Милан, музей Польди-Пеццоли). Его приверженность живописным ценностям и передача атмосферных эффектов в значительной степени предвосхищают открытия импрессионистов 19 в.

Аллегория надежды. 1747

Палаццо дожей в Венеции.

Каприччо. 1780-1790.

 

Каналетто (Canaletto) (1697–1768) – венецианский художник, мастер городского пейзажа – ведуты. Настоящее имя – Джованни Антонио Канале.В Венеции 18 в. жанр ведуты достиг необыкновенного расцвета. Возглавил венецианский ведутизм, выделившийся в самостоятельный жанр, Джованни Антонио Канале, по прозвищу Каналетто.Канелетто родился в Венеции 18 октября 1697. Начал работать как живописец в декоративной мастерской своего отца, Бернардо Канале. В 1719 отправился в Рим, где, посвятив себя живописи, писал пейзажи. В Риме на него большое влияние оказал голландский художник Гаспар ван Виттель, который познакомил Каналетто с известным в Голландии жанром ведуты (ит. veduta, букв. – «увиденная») – пейзаж, документально точно изображающий вид определенной местности или города.

Вернувшись в Венецию (ок. 1720), Каналетто стал работать самостоятельно и быстро прославился. Он тщательно воспроизводил виды города, работал под открытым небом, что в то время было новшеством, делал зарисовки карандашом с натуры, помечая на них соответствующие цвета. Каналетто использовал камеру-обскура (от лат. camera – комната, obscurus – темный) – закрытый ящик с небольшим отверстием в одной из стенок. На противоположной стенке или матовом стекле лучи света через систему линз создавали перевернутое цветное уменьшенное изображение. Камеры использовалась пейзажистами 18 в. для точного воспроизведения видов (ведута), были одним из источников искусства панорамы и явились своего рода прототипом фотографического объектива.

Но технические приемы и теоретические знания сопровождались у Каналетто способностью передать вибрацию атмосферы и в живой манере охарактеризовать своих персонажей. Его картины становились яркими и выразительными благодаря верности деталям, прописанности каждой фигуры, глубине пространства в его работах. Для картин Каналетто были характерны теплая живописность, противопоставление света и тени, тонкие переходы тонов. Многочисленные ведуты Каналетто отличаются совершенством перспективных построений, тонкостью цветового решения и точностью в передаче световоздушной среды: Вид на Большой канал(Вена, галерея Лихтенштейн); Вид на церковь Санта Мария делла Салюта (Лувр);Вид на Скуола делла Карита(Лондон, Национальная галерея).

Он создал целую серию разнообразных, но написанных в одном стиле, городских пейзажей.

В 1746 он уехал в Лондон, где прожил 10 лет. Специфика пейзажей Англии, другие краски, преобладающие в атмосфере страны, изменили палитру Каналетто: Замок Алнвич (ок 1750), Итонская часовня (ок. 1750).

В 1763 был избран в члены Венецианской академии живописи.

Каналетто умер 20 апреля 1768 и похоронен в церкви св. Лио.

 

Творчество Дж. Б. Тьеполо.

 

Тьеполо Джованни Баттиста (5.3.1696-27.3.1770, итальянский живописец, рисовальщик, гравер. Учился в Венеции у Г.Ладзарини, испытал влияние П.Веронезе и Дж.Б.Пьяццетты; работал главным образом в Венеции и ее окрестностях (в 1756-1758 президент венецианской Академии художеств), а также в Милане, Вюрцбурге, Мадриде.

Для ранних работ Тьеполо характерны беспокойные формы и контрастная светотень, но в них уже сказываются присущие художнику богатство фантазии и декоративный размах (цикл картин для дворца Дольфино в Венеции, после 1725, ныне в Государственном Эрмитаже, Санкт-Петербург и других собраниях). В дальнейшем стиль Тьеполо приобретает свободу и экспрессивность, его колорит светлеет, обогащаясь тонкими нюансами (плафоны церквей Джезуати, 1737-1739, и Скальци, 1743-1744, в Венеции).

К середине XVIII века Тьеполо, ставший к этому времени признанным главой венецианской школы живописи, пользовался широкой известностью, много работал для иностранных дворов. Созданные им в этот период фресковые циклы отличаются праздничной пышностью, сияющим колоритом, построенным на сочетании нежных серебристых, красноватых, золотисто-желтых, жемчужно-серых и синих тонов (росписи епископской резиденции в Вюрцбурге, 1750-1753; палаццо Лабиа в Венеции, около 1750, виллы Вальмарана близ Виченцы, 1757; плафоны Королевского дворца в Мадриде, 1762-1766). Яркой эмоциональностью образов и виртуозностью живописной техники поражают станковые произведения Тьеполо (“Триумф Амфитриты”, около 1740, Картинная галерея, Дрезден; “Поклонение волхвов”, 1753, Старая пинакотека, Мюнхен). Фрески Тьеполо, завершающие развитие итальянской монументально-декоративной живописи XVI-XVIII веков, и его картины с их неожиданными ракурсами и пространственной динамикой, живописной легкостью и свободой, тонкостью световоздушных эффектов, прозрачностью мягких красок принадлежат к вершинам мировой живописи. Тьеполо известен также как портретист (“Собрание в Арене”, 1748-1750, Пинакотека, Удине) и автор блестящих по технике исполнения, изысканных и гротескных офортов.

 

Опираясь на наследие римского барокко и венецианского колоризма, Тьеполо создал свой стиль, величественный и непринужденный, декоративно-пышный и утонченно-элегантный. Росписи плафонов "Богоматерь с четками" (1739, Венеция, церковь Джезуати) и "Перенесение дома Богоматери в Лорето" (1743–1744, Венеция, церковь Санта Мария дельи Скальци) являются одними из первых творений венецианского рококо. Уходящее далеко в глубь пространство строится из многочисленных фигур, показанных в самых разнообразных ракурсах; они как будто увидены снизу и воспаряют в головокружительную высоту небес. Слава мастера быстро распространилась за пределы Венеции. Между 1726 и 1761 гг. Тьеполо выполнил ряд заказов по украшению церквей и дворцов в Удине, Милане, Бергамо, Виченце и Вероне. В 1750 г. по приглашению архиепископа Вюрцбургского он приехал в Баварию, где вместе со своими сыновьями расписал тронный зал и плафон над лестницей архиепископского дворца в Вюрцбурге. По возвращении в родной город в 1758 г. Тьеполо был избран первым президентом венецианской Академии художеств. В 1762 г. Карл III пригласил художника в Мадрид, где он, снова вместе с сыновьями, работал над украшением нового королевского дворца. Тьеполо продолжал работать вплоть до самой смерти 27 марта 1770 г.

Станковые произведения Тьеполо немногочисленны по сравнению с рисунками, собранными и сохраненными его другом графом Альгаротти. Тьеполо был также блестящим мастером офорта; наибольшую известность получили две серии его офортов: "Вари Каприччи" (разнообразные причуды) и "Скерци ди фантазия" (шутки фантазии). Один из его сыновей, Лоренцо (1736–1776), продолжал и после смерти отца работать в Мадриде, в той же рокайльной стилистике, а второй, Джованни Доменико (1727–1804), вернулся в Венецию; стиль его работ более сдержанный и близкий неоклассике.

 

 

Апплон и Диана, 1757 вилла Вальморана.
Риналдо и Армида в саду,1752

Апполон И Дафна 1744-45 гг.

Палаццо Лабиа:

Пир клеопатры 1743-44 гг.

Автопортрет в берете

Создавая портрет, Латур обходился без аксессуаров; изучая лицо, он не замечал даже выразительности рук. Зато лицо Латур изображал с удивительным мастерством. Недаром он заставлял портретируемого позировать долго, поддерживая с ним живую и остроумную беседу. Изучая собеседника, он будто вел с ним тонкую игру. Кажется, Мармонтель, сам не подозревая, стал жертвой Этой игры, когда слушал Латура, «руководящего судьбами Европы».

Жан Батист Перронно.

Портрет мальчика с книгой. В большинстве случаев персонажи Перронно смотрят на зрителя, поверяя ему свои душевные тайны. Здесь взгляд обращен в сторону, Это делает прикосновение живописца к внутренней жизни портретируемой более бережным и деликатным. Лукавая нежная улыбка несколько неопределенна.

Последователь Шардена Этьен Жора делает сюжетами своих жанровых картин сцены на рыночной городской площади, эпизоды уличной жизни. В искусстве 1750-х гг. усиливается повествовательное начало, жанристы выходят за пределы домашних впечатлений, интерьерного жанра. Живописцы Ж.-Б. Бенар и Жан Батист Лепренс в эти же годы обращаются к «сельским сценам», подобные сюжеты встречаются среди рисунков одаренного гравера Вилля.

Развитие реализма в середине столетия, обострение противоречий и борьбы направлений в искусстве — все это вызвало подъем теории искусства, небывалую активность художественной критики. К середине века, когда, по выражению Вольтера, нация принялась наконец рассуждать о хлебе, сплотился лагерь буржуазных просветителей, в 1751 г. выдвинувших против аристократов и церкви свою «боевую башню»—Энциклопедию. Идейная борьба развертывалась и в области эстетики. Как известно, просветители считали, что переделать общество можно с помощью воспитания нравов, поэтому прежде всего нужно низвергнуть безнравственность и те средства, с помощью которых она насаждается в обществе. Когда Дижонская Академия выдвинула тему «Способствовало ли улучшению нравов возрождение наук и искусств?», Руссо ответил отрицательно, заклеймив искусство как цветочную гирлянду на железных цепях рабства. В сущности, он клеймил дворянскую культуру с ее извращенностью и враждебностью природе. При явном различии есть несомненная общность между этой войной Руссо против ложной цивилизации и разоблачением искусства рококо, которое можно встретить в каждом, «Салоне» Дидро.

Многое в просветительской эстетике направлено к утверждению реализма в искусстве. Об этом неустанно твердил Дидро, поддерживающий художников-реалистов— Шардена, Латура и других. Художественная критика Дидро представляет собой едва ли не первый образец активного вторжения передового мыслителя в область художественной практики, оценки явлений искусства с точки зрения их реалистической ценности и демократической направленности.

Эстетическая теория Дидро жила конкретной жизнью искусства, и этим она противостояла умозрительным, спекулятивным построениям теоретиков академизма. Наряду с требованиями правды в искусстве Дидро, анализируя современную живопись и скульптуру, выдвигает проблему действия. Его заботит, что бытовой жанр становится искусством для стариков. Он хочет увидеть действие в портрете и обрушивается на столь милого его сердцу Латура за то, что тот не сделал из портрета Руссо изображения «Катона наших дней».

Именно в эти годы во Франции входило в обиход слово «энергия». Проблема действия в изобразительном искусстве для Дидро — проблема общественной активности искусства. Предвосхищая то, что придет позднее, он стремился уловить и поддержать в живописи мысль, пыл, воображение — все, что могло способствовать пробуждению нации.

Рассуждая о правдивости художественного образа, Дидро в «Опыте о живописи» обобщал реалистические искания современных художников. Особенно интересны его замечания о воздушной перспективе и цветных рефлексах, о светотени и выразительности.

Придавая большое воспитательное значение искусству, просветители рассматривали его как средство воспитания нравов в соответствии с их теорией «естественного человека». Но поскольку именно в этом пункте, в области этики, они поворачивали к идеализму, мнимая добродетельность буржуа стала предметом идеализации в искусстве. Противопоставляя порочности аристократов отвлеченную добродетель, просветители не видели того, что нес с собой капитализм. Поэтому буржуазные герои в драмах самого Дидро нереальны, безжизненны и ходульны, служат рупорами для произнесения проповедей. Едва ли не самым слабым местом в просветительской эстетике является требование нравоучительности в искусстве, а самыми бледными страницами очерков, посвященных искусству, оказываются те, где расточаются восторги по адресу нравоучительного жанра. Слепота Дидро в подобных случаях поразительна. Особенно любопытны те трогательные сюжеты, которые он сам сочинял для живописцев.

В изобразительном искусстве художником, творчество которого отразило эти противоречия, был Жан Батист Грез (1725—1805). Первую известность ему принесла жанровая картина «Отец семейства, читающий Библию». В 1750-е гг. он ездил в Италию и привез оттуда бытовые сценки, в которых, кроме сюжета, нет ничего итальянского. Вокруг него развертывается борьба. Директор королевских строений маркиз Мариньи пытался привлечь его заказами на аллегорические композиции для маркизы Помпадур, предлагал послать в Италию. Просветители поддерживали демократизм сюжетов Греза, выступившего как живописец третьего сословия.

Программная работа Греза была выставлена в Салоне 1761 года. Это «Деревенская невеста» (Лувр). Картина Греза — не только изображение одного из моментов домашней жизни. Задача, которую он перед собой вполне сознательно ставил, была гораздо шире — в развернутой многофигурной композиции представить исключительное событие семейной жизни, прославляя добрые нравы третьего сословия.


Жан Батист Грез. Паралитик. 1763 г. Ленинград, Эрмитаж.

В 1760-е гг. с каждым новым произведением герои Греза как бы приобретают «окаменелые эпитеты»—страдающий отец семейства, порочный сын, почтительный зять, злая мачеха и т. п. Во второй половине этого десятилетия отрицательные стороны грезовского искусства выступают все обнаженнее («Отцовское проклятие», Лувр, и другие).

В произведениях Греза позднего периода все больше манерности. Таковы «Разбитый кувшин» (Лувр), «Мертвые птички», «Головки» и «Утренние молитвы» с их двусмысленностями, мещанской сентиментальностью и плохой живописью. Не удивительно, что именно Грезом было сказано: «Будьте пикантным, если не можете быть правдивым». «Искусство нравиться» одержало верх над стремлением выразить в живописи прогрессивные идеи времени.

Грез основал целое направление во французской живописи второй половины 18 века (Леписье, Обри и многие другие). Оно развивалось в 1770-е гг., когда складывалось уже искусство революционного классицизма. Поэтому нравоучительный жанр этого времени оказался второстепенным явлением во французской живописи. Этьен Обри, один из самых типичных последователей Греза, черпал сюжеты своих картин не из жизни, а из «Нравоучительных повестей» Мармонтеля. В творчестве Никола Бернара Леписье (1735—1784) выступает другая сторона позднего сентиментального жанра — идилличность. Фальконе однажды справедливо заметил: «Чем более явны усилия, направленные на то, чтобы тронуть нас, тем менее мы тронуты».

Оценивая искусство Греза и его последователей, не следует смешивать проповедь добродетели с иным течением сентиментализма 18 столетия, связанным с мировоззрением Руссо. Влечение к природе, которое характерно для второй половины века, являлось, в частности, предпосылкой развития реалистических тенденций в пейзажном искусстве этой эпохи.

В начале 18 в. основы нового восприятия природы — ее лиризма, эмоциональности, способности быть созвучной движениям человеческой души — были заложены в творчестве Ватто. Это искусство развивалось тогда и в рамках других жанров: пейзажные фоны в картонах для ковров, а также в батальных и анималистических композициях. Наиболее интересны охотничьи сцены Франсуа Депорта (1661—1743) и Удри (1686—1755); живые наблюдения наиболее заметны в этюдах Депорта («Долина Сены», Компьен).

Крупные мастера собственно пейзажной живописи появились в середине 18 века. Старшим из них был Жозеф Верне (1714—1789). Двадцати лет он уехал в Италию и прожил там семнадцать лет. Поэтому Верне стал известен во Франции в 1750-е гг. после успеха в луврском Салоне 1753 года. Творчество Верне напоминает о традициях Клода Лоррена — его пейзажи декоративны. Иногда Верне склонен к лирическим мотивам, иногда к драматическим нотам, в поздние годы он особенно часто пользовался романтическими эффектами бури и лунного света. Верне — умелый рассказчик, у него много видовых пейзажей; такова известная серия «Порты Франции», многие морские и парковые виды. Пейзажи этого художника пользовались немалой популярностью и как часть декорации интерьера.

Луи Габриэль Моро Старший (1739—1805) — более поздний мастер пейзажной живописи. Он писал обычно виды Парижа и его окрестностей — Медона, Сен Клу, Багателя, Лувесьена. Моро славился изящными пейзажными рисунками — как, например, «Пейзаж с парковой оградой» (акварель и гуашь; Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина). Его произведения изысканны, несколько холодны, но тонки по цвету. Поэтичность и жизненная наблюдательность Моро преломились в таких работах, как «Холмы в Медоне» (Лувр). Картины его невелики по размерам, почерк живопи

Последнее изменение этой страницы: 2016-07-23

lectmania.ru. Все права принадлежат авторам данных материалов. В случае нарушения авторского права напишите нам сюда...