Главная Случайная страница


Категории:

ДомЗдоровьеЗоологияИнформатикаИскусствоИскусствоКомпьютерыКулинарияМаркетингМатематикаМедицинаМенеджментОбразованиеПедагогикаПитомцыПрограммированиеПроизводствоПромышленностьПсихологияРазноеРелигияСоциологияСпортСтатистикаТранспортФизикаФилософияФинансыХимияХоббиЭкологияЭкономикаЭлектроника






Многоформатность театра. Чего только не увидишь на сцене? Не только спектакли, но и яркие шоу, перфомансы, мюзиклы и стенд апы для зрителей на любой вкус.

Средневековый театр: За все столетия своего существования театр потерпел огромное количество глобальных трансформаций. Но, в итоге, он стал «прародителем» многих современных видов искусства благодаря техническому прогрессу. Можно с полной уверенностью сказать, что искусство актерской игры перед публикой сочетает в себе простоту и одновременно невероятную сложность.Европейский театр обязан своим происхождением древнегреческому сценическому искусству, В Средневековье театр все так же пользовался большой популярностью и востребованностью. Можно сказать, что его общественное положение практически не изменилось. Театральное средневековое действо разделилось на две отрасли. Первая – площадной театр, который своим существованиям был обязан бродячим актерским труппам, колесившим по городам и собиравшим толпы народа на городских рынках и площадях. В таких представлениях участвовали, в основном, трубадуры и жонглеры. Спектакли на площадях высмеивали феодалов, церковных представителей и других знатных недобросовестных персон. Неудивительно, что этот вид средневекового театрального искусства не пришелся по вкусу «сильным мира сего». Поэтому данное занятие считалось позорным и греховным.Что касается второй разновидности театра, то к ней были более благосклонны представители церкви и знатные особи. Мистерии – это своеобразная трактовка евангельских сюжетов на сцене. Организовывались подобные представления в церкви чаще всего во время празднования Пасхи.

Театр в эпоху Возраждения: В эпоху Возрождения, родиной которого была Италия, наблюдается подъем в большинстве видов искусства. Поскольку религиозные основы слабели, это существенным образом отразилось на европейской культуре - в ней вновь стали востребованы и засверкали новыми гранями идеалы античности, ранее отвергаемые церковью как языческие. Изменения шли и во всех аспектах театральной жизни: появлялись новые жанры, формы, театральные профессии, менялись и принципы театрального искусства. Несмотря на подъем искусства в Италии театр здесь не достиг таких высот, как изобразительное искусство или архитектура, которая все же отложила отпечаток на развитие театра: наряду с традиционными античными театрами строились и новые, совмещающие сцену и зрительный зал. Появление полноценных зданий с крышей расширило возможности театра: в постановках стали по-новому использовать музыку, свет, декорации, а это привело к становлению и бурному развитию новой театральной формы - классической оперы. В Италии зародившееся оперное искусство пользовалось большим успехом.произведения известного политического деятеля и писателя Николо Макиавелли (1469-1527) "Мандрагора" и "Каландрия", которые произвели прорыв в итальянской драматургии. Эти пьесы были полны новеллистическими чертами, их сюжет был построен на семейных коллизиях, характерных для итальянского общества. Вершиной театра Возрождения стал английский театр. Характерно, что в Англии из всех искусств высокого развития в эту эпоху достиг только театр - один за другим открывались публичные общедоступные драматические театры ("Глобус", "Куртина", "Роза", "Лебедь", "Фортуна" и др.). Имя английского драматурга Уильяма Шекспира (1564-1616) навеки вошло в мировую драматургию. Он стал создателем нового европейского театра. Этот расцвет связан с "елизаветинской" эпохой, все перипетии которой нашли отражение в творчестве Шекспира. Пьесы Шекспира отличает философское осмысление характеров и образов. Он стал автором трагедий, комедий и хроник, известных всему миру. Многие актеры и сегодня мечтают воплотить на сцене образы героев Шекспира.

Театр в эпоху класцизма: Родиной классицизма стала Франция, где зарождение национального театра совпало с образованием национального государства. В XVI веке французские монархи сочувствовали гуманистическому движению: «Искусство, история, мораль, философия и почти все другие знания, — говорилось в одном из указов Франциска I, — вытекают из творений греческих писателей, как ключи из своих источников». В 1529 году для изучения античности и новых наук был основан Коллеж де Франс (CollègedeFrance)[26]. В первой половине XVI во Францию из разоренной Италии переселились многие деятели науки и искусства, которым, собственно, и принадлежала теория «трёх единств», взятая на вооружение новым движением. Первой классицистской пьесой считается комедия кардинала Биббиены «Каландро», написанная по мотивам «Менехмов» Плавта: силами итальянских актёров комедия была поставлена в 1548 году в Лионе по случаю коронации Генриха II

Драматический театр в России: В России театр родился поздно — лишь во второй половине XVII века: в православной церкви не были приняты инсценировки служб, скоморошество, зародившееся ещё в XI веке, жестоко преследовалось и было официально запрещено в 1648 году указом Алексея Михайловича[27], города не обладали достаточной самостоятельностью, чтобы своими силами устраивать представления, аналогичные западноевропейским мистериям, — театр в Россию был импортирован из Западной Европы[28]. В 1672 году был создан первый придворный театр, однако просуществовал всего несколько лет. К этому же времени относится возникновение так называемого «школьного театра» — театра при духовных учебных заведениях; первое упоминание относится к 1672 году, когда в Киево-Могилянской академии была поставлена мистерия «Об Алексее человеке божием»[29]. В 1687 году в Москве была основана Славяно-греко-латинская академия, при которой также был создан театр, сыгравший в дальнейшем важную роль в развитии письменной драматургии

Опера и оперетта как жанры музыкального театрального искусства имеют общие исторические корни. Принцип построения сценического действия, основанный на вокальном исполнении и музыкальном сопровождении, использовался еще в XVI веке. Прообразом современной оперы можно считать итальянские пасторали и мистерии: именно они определили основные закономерности оперной драматургии, активное развитие которой к началу XVIII века привело к возникновению больших серьезных музыкально-драматических произведений и комической оперы. Комическая опера, или опера-буфф, во второй половине XIX приобрела характерные черты самостоятельного жанра, известного как оперетта. Ему свойственны легкое содержание, сочетание песенного исполнения, инструментальной музыки и танца, а также использование значительных по объему фрагментов обычной речи в диалогах, монологах и репликах.Действие оперетты отличается стремительностью и развивается вокруг комической или авантюрной ситуации. Ему подчинены характеры героев, столкновение которых усиливает комедийный эффект происходящего на сцене.Оперетта воспринимается зрителями как развлечение, поэтому в ней не исполняются сложные музыкальные и вокальные партии: арии, дуэты, хоровое сопровождение чаще всего имеет куплетно-песенную жанровую окраску, а каждое действие обязательно заканчивается танцем. Хореографию танцевальных номеров в оперетте разрабатывают и для актеров, и для кордебалета – группы танцоров, обеспечивающих второй план сцены.Классикой жанра оперетты стали произведения И. Штрауса, И. Кальмана, Ф. Легара, Ж. Оффенбаха, которые принесли всемирную славу лучшим театрам Европы: Фоли-Нуво и Буфф-Паризьен. «Летучая мышь», «Баядера», «Веселая вдова», «Цыганский барон», «Прекрасная Елена» не сходят и с отечественной сцены, радуя зрителей зрелищностью сцен и прекрасной музыкой.

Пантомима – театральная игра, где мысль, эмоция и влечение, вместо речи, выражаются телодвижениями и жестами. Мимика занимала высокое место в греческих трагедиях, но, как обособленное мимическое представление. Пантомима в первый раз появились в Риме, в царствование Августа , когда проживали славные П. Батилл и Пилад – их сейчас считают основоположниками римской пантомимы. Классическая пантомима существенно разнилась с современной тем, что в ней лицевые движения артистов не участвовали, т.к. древние артисты выходили на подмостки в масках. Личных отношений римская пантомима не касалась. Древнеримская мифология – вот основные сюжеты пантомимы . Правильнее, однако, считать, что пантомима была только пародированием римской жизни. В немых фильмах широко применялась пантомима – иначе как передать зрителю общий смысл сюжета? Здесь широко использовалась и мимика героев – она применяется и сегодня, достаточно вспомнить Джима Керри с его «резиновым лицом». Чарли Чаплин Наиболее известными фигурами в Европейской классической пантомиме были Батист Дебюро (XIX век), Марсель Марсо, ЭтьенДекру, Жан-Луи Барро, (все — Франция), Адам Дариус (Финляндия), Борис Амарантов, Леонид Енгибаров, Анатолий Елизаров и актеры-современники в совершенстве владели этим мастерством Правда, сегодня пантомима используется больше как юмористический жанр.

Искусство кукольников очень старое — в разных странах возникали свои, ставшие затем традиционными, виды кукол и типы представлений. Есть сведения о существовании ритуальных мистерий в Египте, во время которых женщины носили куклу Осириса. В Древней Греции кукольный театр существовал в эпоху эллинизма. Истоки кукольного театра — в языческих обрядах, играх с овеществлёнными богами. Упоминание об игровых куклах встречаются у Геродота, Ксенофонта, Аристотеля,Горация, Марка Аврелия, Апулея. У нас на Украине кукольный театр пошел от Вертепа(Традиционное украинское рождественское кукольное представление, разыгрываемое в двухэтажном вертепном ящике, где на верхнем уровне изображалась история рождения Христа, а на нижнем — сцены из народной жизни). Многообразие форм представления в кукольном театре определяется разнообразием видов кукол и их систем управления. Различают куклы-марионетки, тростевые, перчаточные, планшетные. Куклы могут иметь размер от нескольких сантиметров до 2—3 метров.

Крупнейшие театры кукол на Украине:

· Харьковский академический театр кукол.

· Одесский областной театр кукол

· Киевский государственный академический театр кукол

· Киевский муниципальный академический театр кукол

· Львовский областной театр кукол

· Черновицкий областной театр кукол

На Украине развивается академическая театральная школа:

· кафедра театра анимации Харьковского государственного университета искусств им. Котляровского,

· кафедра театра кукол Киевского национального университета театра и кино им. Карпенко-Карого.

· Днепропетровский Театрально-Художественный Колледж.

Театральные профессии

В театре существует масса профессий: Художественный руководитель, Дирижёр, Сценограф, Театральный художник, Бутафор, Гримёр, Декоратор, Заведующий постановкой, Костюмер, Монтировщик, Осветитель, Помощник режиссёра, Реквизитор. Например Сценограф решает вопросы построения сценического пространства. Художник -постановщик совместно с режиссером работает над художественным решением спектакля. Он выполняет эскиз декораций. Затем плоскостной эскиз переносится в трехмерное пространство. Театральный макетчик создает модель объемных декораций в масштабе 1:20. В каждом театре есть подмакетник (коробочка) – уменьшенное в 20 раз изображение сцены. Декорации создаются из деревянных кусочков, бумаги, картона, ткани, фольги и пр. материалов, затем разрисовываются.

ТЕАТРАЛЬНОЕ ПРОИЗВОДСТВО. Для производства декораций при театре имеются различные мастерские и цехи.

Столярный цех. Здесь изготовляют декорационные стенки, лестницы, площадки, колонны. Карнизы, двери, окна, мебель. Театральная мебель отличается облегченной конструкцией, но детали соединены прочно, т.к. она находится постоянно в эксплуатации. В театре важно обеспечить пожарную безопасность, поэтому деревянные декорации пропитывают огнезащитным составом.

Цех мягких декораций. В нем шьют задники, кулисы, падуги, скатерти, чехлы для мебели др. Здесь работает обойщик-драпировщик, который обивает и отделывает детали мебели. В этом цехе имеются огромные котлы для покраски тканей. Ткань также обрабатывают огнезащитной пропиткой.

Живописно-декорационный цех. Здесь выполняют роспись мягких декораций по эскизам художника. Декорации расписывают на полу по квадратам («клеточкам»). Для больших площадей используют распылители красок.

Бутафорский цех. Бутафория – изделия, изображающие настоящие предметы. Художник-бутафор использует различные материалы: дерево, фанеру, проволоку, пенопласт, поролон, ткань, картон, бумагу, глину и т.д. Чаще всего используют папье-маше.

Швейный цех. Здесь изготавливают костюмы, головные уборы художники по костюмам. Театральный костюм: помогает раскрыть характер персонажа, рассказывает о событиях, происходящих в пьесе, историческом времени; значимую роль в костюме играет символика цвета (красный – любовь, золото – богатство, черный - траур, печаль, зеленый - надежда). Цвет в костюме способен выразить эмоциональное состояние персонажа. Театральный костюм определяется жанром представления, художественной стилистикой спектакля. Машинно-декорационное отделение. Здесь работают монтировщики или работники сцены. Они размещают и крепят декорации. Электроосветительный цех заведует осветительной аппаратурой. Используется переносная световая аппаратура, световые приборы. Для каждого спектакля составляется план освещения (световая партитура). Главный осветитель работает за пультом. Световые эффекты в театре можно создать и при помощи ткани в сочетании со светом. Необычный эффект дают тюль и черный бархат. Тюль обладает замечательным свойством: он становится невидимым, если пространство освещено сзади, и становится непрозрачным, если освещен спереди.

Музыкальный оформитель (композитор, звукорежиссер) – занимается музыкальным решением спектакля. В спектаклях используется как живая музыка, так и фонограммы. Звукорежиссер театра формирует звуковую сферу спектакля, работает за пультом с электроакустической аппаратурой по звуковой (музыкальной) партитуре.

Реквизиторский цех – совокупность предметов, используемых в театральном представление, на киносъемках.

Гримерный цех. Грим – важная деталь сценического облика актера. Он позволяет актеру изменить внешность, помогает создать образ. Грим может быть 1) портретным (сложным) – когда артист должен стать похожим на определенного человека; 2) легким – подчеркивает черты лица (глаза, губы, брови и пр.), делает их выразительными. В гримерной работают постижёры – специалист по изготовлению париков, накладок.

Так же в театре есть такая профессия, как Суфлёр – работник театра, следящий за ходом репетиции или спектакля по выверенному тексту пьесы и подсказывающий актерам текст роли в случае необходимости. Он находится в суфлерской будке (под сценой). На пульте перед ним лежит текст пьесы или партитура (музыкального) спектакля.

 

Японский театр и его особенности

Традиции и история японского театра уходит корнями в очень далёкое прошлое. Знаменитый знаток японской культуры академик Н.Конрад предположил, что классический японский театр сохранил в себе и элементы античной драмы, проникшей на Дальний Восток долгим и окружным путем - через эллинистические государства Передней Азии, Индию и Китай.
Важнейшие атрибуты традиционного японского театра: маски и танцы использовались ещё в добуддийском, напоминающем шаманские пляски лицедействе Кагура , входившем в синтоиский ритуал богопочитания. Удивительно, что даже этот ранний, относительно примитивный вид театрального искусства в Японии не умер, кое-где в провинциях представления Кагура устраиваются до сих пор. Однако рождение японского театра обычно связывают не с Кагура, а с появлением пантомимыГигаку ("актерское искусство") и танцев Бугаку("искусство танца"), заимствованных из континентальной культуры в VII веке. Гигаку просуществовало до X века, а затем было вытеснено более сложными формами пантомимической драмы, зато представления Бугаку, ставшие непременной частью храмовых праздников и дворцовых церемоний, со временем выросли в отдельный музыкально-танцевальный жанр, который не только сохранился. Традиционный японский театр - это сложный и многоцветный мир, каждому из компонентов которого (актерскому мастерству, музыке, сценографии, маскам, декорациям, костюмам, гриму, куклам, парикам, танцу) посвящено немало книг и статей.
Несмотря на то, что представления проводятся регулярно, на них редко можно увидеть иностранцев. Многие верят на слово своим знакомым японцам, которые уверяют, что японский театр – это не интересно, порой скучно и что на сцене не происходит практически никакого действия.

Театр Но: Театр Но зародился в 14-м веке и быстро стал "модным" среди самураев и высшей аристократии сёгуната Токугава. То есть, театр Но изначально был ориентирован на высшее сословие и недоступен для широких масс населения. В наши дни, конечно же, представление театра Но может посетить любой желающий, но всё равно, необходимо ощущение избранности и понимания происходящего на сцене, где малейшие нюансы наполнены глубоким и непонятным случайному зрителю смысломНа протяжении веков театр развился в мощную национальную традицию и наполнился эстетической полнотой музейной миниатюры. Простое, но несущее глубокий смысл, убранство сцены подчёркивает глубину чувств масок, обрамлённых во временами красочные, временами простые кимоно. И маски и кимоно передаются из поколения в поколение внутри каждой школы, и не редки маски с трёхсотлетней историей. Хотя маски могут быть очень впечатляющими - как "Хання" - маска мстящего демона - большинство имеет спокойное, можно даже сказать отрешённое выражение, призванное вызывать полный спектр зрительских эмоций.од аккомпанемент хора, барабанов и флейт основное действующее лицо или Ситэ повествует истории из жизни смертных и духов, богов и демонов, сражений выигранных и проигранных, убийцах и Буддийских монахах архаичной Японии. Архаичный язык, на котором ведётся повествование, углубляет "великую загадку" масок.
Представление длится обычно часа три с половиной - пять и состоит из нескольких пьес, прерываемых небольшими миниатюрами из жизни.
В основном, представления театра Но даются в специальных театрах. Однако в последнее время представления на открытом воздухе - Такиги - вновь набирает популярность среди японцев.

Маски театра Но : В своём большинстве, маски Но не привязаны к какой-то определённой роли, а широко используются в разных пьесах на разные роли. Маски Но, о которых часто говорят, что им не хватает индивидуальности в выражении, в сочетании с глубоко символичными движениями актёра и монотонной музыкой создают уникальную артистическую атмосферу.Маски являются неотъемлемым атрибутом драмы. Отличительной чертой масок Но является то, что они ДЕЙСТВИТЕЛЬНО ПЕРЕДАЮТ эмоции. Чувства радости и злобы, юмора и пафоса, выражаются едва заметным изменением наклона при приложении маски к лицу, игрой света на сцене, драматическим речитативом хора - Утаи и аккомпанементом барабанов и флейт - Хаяси. На первый взгляд маски Но не передают никаких эмоций, однако, на самом деле в них заложен огромный потенциал, раскрываемый актёром на сцене.
На сегодняшний день существует около 200 масок, большинство из которых сделаны из японского кипариса. Некоторые отдельные маски (например Окина) используются только на определённые роли и появляются на свет раз или два в год. Интересно заметить, что различные школы (направления) Но используют разные маски и кимоно на одни и те же роли.
Привлекательность театра Но состоит в том, что маски выражают "чистые" эмоции героев, без примесей и влияний собственных лиц актёров. Так что если вы ищите "чистых" эмоций, то вы рано или поздно найдёте себя на представлении НО.

Театр Кёгэн: возник примерно в одно и то же время с театром Но и до сих пор эти два вида японского традиционного театрального искусства мирно соседствуют в рамках одного десятилетия однако по стилистике и содержанию два эти жанра разительно непохожи. Театр Но - это драма возвышенных переживаний и титанических страстей, по духу это высокая трагедия, хотя содержание пьес далеко не всегда трагично. Кёгэн же - незатейливая комедия, грубоватый фарс, построенный на незатейливой шутке, шумной возне, даже скабрезности. Но элегантен, поэтичен, Кёгэн прозаичен и простонароден.

Кабуки - один из трех видов классического японского театра, объединяющий драматургию, танцы и музыкальное сопровождение и предлагающий зрителям спектакли, в которых форма, цвет и звук образуют уникальную комбинацию, ассоциируемую с величайшими мировыми сценическими традициями.В спектаклях театра кабуки, какправило, воплощаются моральные ценности, превалировавшие в токугавскую эпоху. Именно они служат основой, на которой строятся сюжеты. Это, к примеру, инга--охо (закон карательной справедливости) - буддистская идея о неминуемом крахе злодея или о процветании и счастье долго страдавшей женщины. Идея мудзё (мимолетность всего существующего), также буддистского происхождения, иллюстрируется падением могущественного военного лидера или упадком высокомерной семьи. Достаточно обычен, далее, показ прямого конфликта некоторых идейных норм из арсенала конфуцианских традиций (долг, обязанности, сыновняя почтительность) с личными желаниями и страстрастями, что приводит к различного рода драматическим ситуациям.остюмы, парики и грим в театре кабуки стараются в максимально возможной степени подогнать к существу той или иной роли. Так, костюмы для пьес жанра дзидай-моно особенно стилизованы и элегантны, как то и подобает аристократам и членам самурайского сословия. В свою очередь, в пьесах жанра сэва-моно точно отражаются моды японского общества времен Токугава. Костюмы, используемые в пьесах жанра сёсагото, отличаются извсканным дизайном, отделкой и красочностью. Парики классифицируются в зависимости от возраста персонажей, их социального статуса, занятий и прочих характеристик. Грим теснейшим образом связан с содержанием роли. Наиболее известным его видом является кума-дори - комплекс примерно ста стилей гримирования под маски, примеры которого встречаются преимущественно в пьесах жанра дзидай-моно.

Бунраку - самый крупный кукольный театр Японии, являющийся хранителем традиций, названный по имени организатора и постановщика первых спектаклей УэмураБунракукэн (1737–1810). Он был открыт в 1872 г. в Осака, на вывеске было написано: «Дозволенный правительством кукольный театр Бунраку». Это название стало символом японского традиционного кукольного театра (нингёдзёрури) вообще.Куклы для представлений Бунраку изготавливаются в размере 1/2 – 2/3 человеческого роста. Каждую куклу, как правило, ведут три оператора. Наиболее опытный из них управляет движениями головы (глаза, веки, брови, рот) и правой рукой куклы. Второй оператор двигает левой рукой куклы, третий — ее ногами. Сами операторы одеты в черные балахоны, укрывающие с головой. Через несколько минут после начала представления зрители перестают видеть оператора: их внимание сосредоточено исключительно на движениях кукол. Представление идет под голос певца-сказителя гидаю и ритмический музыкальный аккомпанемент на трехструнных сямисэнах и барабанах. Гидаю говорит от лица всех занятых в представлении кукол — мужчин, женщин, детей, обозначая лишь голосом, изменяющимся от баса до фальцета, кому принадлежат слова.

Современный театр

Современный театр представляет собой экспериментальные формы. Формальные эксперименты начались еще в двадцатые годы 20 века. Первым театром, который носил экспериментальный характер был театр Мейерхольда. Он удивлял, завораживал и шокировал зрителя. Русский зритель, который привык к классическим постановкам с трудом принимал сценические нововведения. Экспериментирование над содержанием гораздо более сложный процесс, связан прежде всего с работой драматургов. Сегодня современный театр имеет ряд особенностей в отличии от театра прошлого

1. «Осовременивание» классики. Например, Хлестаков в конце спектакля «Ревизор» может прочитать рэп или все актеры могут быть одеты режиссером в современные костюмы и разговаривать по мобильным телефонам. Отношения к такому виду театрального искусства абсолютно разные: с одной стороны, искусство должно постоянно идти в ногу со временем, а с другой стороны, в условиях массовой культуры можно утратить историческое своеобразие всей театральной классики. Появление новой драматургии сильно замедлено, и это тоже не радует.

Perfomance, склонность к постановкам и ярким шоу, эпатаж. Кроме того, это нестандартность места: спектакли могут проходить не только на сцене, но и практически везде: в подвале, на улице, на бывшем заводе или фабрике. Сегодня театр находится в поисках новых форм и жанров. Новым взглядам на жизнь и действительность должны соответствовать и новые приемы режиссуры.

Сегодня театр потакает зрителям, становится объектом потребления. И сегодня главная задача современного театра — воспитывать зрителя, развивать его внутренний мир, научить видеть то, что скрывается от нашего взгляда.

5. Если сравнивать современный театр сантичным, то здесь появляются новые профессии — одной из самых ярких сталапрофессия режиссера. Сегодня она выходит на первый план.

Еще одной чертой современного театра является процесс смены поколений. Если раньше он проходил очень болезненно, то сейчас обновление, омоложение всех театральных цехов — начиная от творческого и заканчивая менеджерским происходят более естественно. Сегодня театр носит название режиссерский, а не театр актерский.

Негативной чертой, пожалуй, является коммерциализация театра. Сегодня все больше и больше появляется театральных постановок экономически выгодных, но довольно низкосортных. Привлекает такой театр известными актерами и веселыми постановками.

9. Современный театр призван шокировать. "Потрясение - это норма ", - вот лозунг современной драмы. Для театра боль - это норма, катастрофа - это норма, ужасы - это норма.

Современный театр сложился под влиянием многих факторов. Время, мода, экономика и даже политика влияет на репертуары театров и формы постановок. Не зря существует высказывание "Театр - зеркало жизни". Современный театр не только отражает жизнь, но и уделяет пристальное внимание внутреннему миру современного человека.

Литература:

· Взаимосвязи: Театр в контексте культуры: Сборник научных трудов / Редкол. С. К. Бушуева, Л. С. Овэс, Н. А. Таршис, предисл. С. К. Бушуевой. — Л., 1991. — 154 с.

· Барбой Ю. М. К теории театра. Спб.: СПбГАТИ, 2008. 238 с.

· Барбой Ю. М. Структура действия и современный спектакль. — Л., 1988. — С. 26—27. — 201 с.

· Мищенко Ф. Г. Театр // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.

· Эжен Ионеско. Есть ли будущее у театра абсурда? // Театр абсурда. Сб. статей и публикаций. СПб., 2005, с. 191—195

· Эпштейн М. «Игра в жизни и искусстве // Советская драматургия», Москва, 1982 г. № 2.

Средневековый театр: За все столетия своего существования театр потерпел огромное количество глобальных трансформаций. Но, в итоге, он стал «прародителем» многих современных видов искусства благодаря техническому прогрессу. Можно с полной уверенностью сказать, что искусство актерской игры перед публикой сочетает в себе простоту и одновременно невероятную сложность.Европейский театр обязан своим происхождением древнегреческому сценическому искусству, В Средневековье театр все так же пользовался большой популярностью и востребованностью. Можно сказать, что его общественное положение практически не изменилось. Театральное средневековое действо разделилось на две отрасли. Первая – площадной театр, который своим существованиям был обязан бродячим актерским труппам, колесившим по городам и собиравшим толпы народа на городских рынках и площадях. В таких представлениях участвовали, в основном, трубадуры и жонглеры. Спектакли на площадях высмеивали феодалов, церковных представителей и других знатных недобросовестных персон. Неудивительно, что этот вид средневекового театрального искусства не пришелся по вкусу «сильным мира сего». Поэтому данное занятие считалось позорным и греховным.Что касается второй разновидности театра, то к ней были более благосклонны представители церкви и знатные особи. Мистерии – это своеобразная трактовка евангельских сюжетов на сцене. Организовывались подобные представления в церкви чаще всего во время празднования Пасхи.

Театр в эпоху Возраждения: В эпоху Возрождения, родиной которого была Италия, наблюдается подъем в большинстве видов искусства. Поскольку религиозные основы слабели, это существенным образом отразилось на европейской культуре - в ней вновь стали востребованы и засверкали новыми гранями идеалы античности, ранее отвергаемые церковью как языческие. Изменения шли и во всех аспектах театральной жизни: появлялись новые жанры, формы, театральные профессии, менялись и принципы театрального искусства. Несмотря на подъем искусства в Италии театр здесь не достиг таких высот, как изобразительное искусство или архитектура, которая все же отложила отпечаток на развитие театра: наряду с традиционными античными театрами строились и новые, совмещающие сцену и зрительный зал. Появление полноценных зданий с крышей расширило возможности театра: в постановках стали по-новому использовать музыку, свет, декорации, а это привело к становлению и бурному развитию новой театральной формы - классической оперы. В Италии зародившееся оперное искусство пользовалось большим успехом.произведения известного политического деятеля и писателя Николо Макиавелли (1469-1527) "Мандрагора" и "Каландрия", которые произвели прорыв в итальянской драматургии. Эти пьесы были полны новеллистическими чертами, их сюжет был построен на семейных коллизиях, характерных для итальянского общества. Вершиной театра Возрождения стал английский театр. Характерно, что в Англии из всех искусств высокого развития в эту эпоху достиг только театр - один за другим открывались публичные общедоступные драматические театры ("Глобус", "Куртина", "Роза", "Лебедь", "Фортуна" и др.). Имя английского драматурга Уильяма Шекспира (1564-1616) навеки вошло в мировую драматургию. Он стал создателем нового европейского театра. Этот расцвет связан с "елизаветинской" эпохой, все перипетии которой нашли отражение в творчестве Шекспира. Пьесы Шекспира отличает философское осмысление характеров и образов. Он стал автором трагедий, комедий и хроник, известных всему миру. Многие актеры и сегодня мечтают воплотить на сцене образы героев Шекспира.

Театр в эпоху класцизма: Родиной классицизма стала Франция, где зарождение национального театра совпало с образованием национального государства. В XVI веке французские монархи сочувствовали гуманистическому движению: «Искусство, история, мораль, философия и почти все другие знания, — говорилось в одном из указов Франциска I, — вытекают из творений греческих писателей, как ключи из своих источников». В 1529 году для изучения античности и новых наук был основан Коллеж де Франс (CollègedeFrance)[26]. В первой половине XVI во Францию из разоренной Италии переселились многие деятели науки и искусства, которым, собственно, и принадлежала теория «трёх единств», взятая на вооружение новым движением. Первой классицистской пьесой считается комедия кардинала Биббиены «Каландро», написанная по мотивам «Менехмов» Плавта: силами итальянских актёров комедия была поставлена в 1548 году в Лионе по случаю коронации Генриха II

Драматический театр в России: В России театр родился поздно — лишь во второй половине XVII века: в православной церкви не были приняты инсценировки служб, скоморошество, зародившееся ещё в XI веке, жестоко преследовалось и было официально запрещено в 1648 году указом Алексея Михайловича[27], города не обладали достаточной самостоятельностью, чтобы своими силами устраивать представления, аналогичные западноевропейским мистериям, — театр в Россию был импортирован из Западной Европы[28]. В 1672 году был создан первый придворный театр, однако просуществовал всего несколько лет. К этому же времени относится возникновение так называемого «школьного театра» — театра при духовных учебных заведениях; первое упоминание относится к 1672 году, когда в Киево-Могилянской академии была поставлена мистерия «Об Алексее человеке божием»[29]. В 1687 году в Москве была основана Славяно-греко-латинская академия, при которой также был создан театр, сыгравший в дальнейшем важную роль в развитии письменной драматургии

Опера и оперетта как жанры музыкального театрального искусства имеют общие исторические корни. Принцип построения сценического действия, основанный на вокальном исполнении и музыкальном сопровождении, использовался еще в XVI веке. Прообразом современной оперы можно считать итальянские пасторали и мистерии: именно они определили основные закономерности оперной драматургии, активное развитие которой к началу XVIII века привело к возникновению больших серьезных музыкально-драматических произведений и комической оперы. Комическая опера, или опера-буфф, во второй половине XIX приобрела характерные черты самостоятельного жанра, известного как оперетта. Ему свойственны легкое содержание, сочетание песенного исполнения, инструментальной музыки и танца, а также использование значительных по объему фрагментов обычной речи в диалогах, монологах и репликах.Действие оперетты отличается стремительностью и развивается вокруг комической или авантюрной ситуации. Ему подчинены характеры героев, столкновение которых усиливает комедийный эффект происходящего на сцене.Оперетта воспринимается зрителями как развлечение, поэтому в ней не исполняются сложные музыкальные и вокальные партии: арии, дуэты, хоровое сопровождение чаще всего имеет куплетно-песенную жанровую окраску, а каждое действие обязательно заканчивается танцем. Хореографию танцевальных номеров в оперетте разрабатывают и для актеров, и для кордебалета – группы танцоров, обеспечивающих второй план сцены.Классикой жанра оперетты стали произведения И. Штрауса, И. Кальмана, Ф. Легара, Ж. Оффенбаха, которые принесли всемирную славу лучшим театрам Европы: Фоли-Нуво и Буфф-Паризьен. «Летучая мышь», «Баядера», «Веселая вдова», «Цыганский барон», «Прекрасная Елена» не сходят и с отечественной сцены, радуя зрителей зрелищностью сцен и прекрасной музыкой.

Пантомима – театральная игра, где мысль, эмоция и влечение, вместо речи, выражаются телодвижениями и жестами. Мимика занимала высокое место в греческих трагедиях, но, как обособленное мимическое представление. Пантомима в первый раз появились в Риме, в царствование Августа , когда проживали славные П. Батилл и Пилад – их сейчас считают основоположниками римской пантомимы. Классическая пантомима существенно разнилась с современной тем, что в ней лицевые движения артистов не участвовали, т.к. древние артисты выходили на подмостки в масках. Личных отношений римская пантомима не касалась. Древнеримская мифология – вот основные сюжеты пантомимы . Правильнее, однако, считать, что пантомима была только пародированием римской жизни. В немых фильмах широко применялась пантомима – иначе как передать зрителю общий смысл сюжета? Здесь широко использовалась и мимика героев – она применяется и сегодня, достаточно вспомнить Джима Керри с его «резиновым лицом». Чарли Чаплин Наиболее известными фигурами в Европейской классической пантомиме были Батист Дебюро (XIX век), Марсель Марсо, ЭтьенДекру, Жан-Луи Барро, (все — Франция), Адам Дариус (Финляндия), Борис Амарантов, Леонид Енгибаров, Анатолий Елизаров и актеры-современники в совер

Последнее изменение этой страницы: 2016-06-09

lectmania.ru. Все права принадлежат авторам данных материалов. В случае нарушения авторского права напишите нам сюда...